BIOGRAFÍA: Patricia Atzur es el nombre artístico de Patricia Sarmiento Lozano, una cantautora y guitarrista nacida el 6 de marzo de 1994 en Barcelona que tras sus estudios de bachillerato y apostando ciegamente por la fotografía, su gran pasión desde que tuvo su primera cámara con seis años, decide trasladarse a Londres para formarse y poder estudiar esta bonita disciplina a nivel oficial.
En 2013 inicia los estudios en Londres en el “London College of Communication” (UAL) hasta 2016 donde posteriormente cursará estudios universitarios en el “London College of Creative Media” (LCCM) hasta finalizarlos a finales de 2019.
Al respecto de estos siete años de estancia en Londres la misma Patricia comenta: “He abierto los ojos y la mente en muchos aspectos, ya que he tenido la oportunidad de conocer a gente muy diversa, enriqueciéndome con nuevas culturas y vivencias. A su vez, he tenido la posibilidad de asistir a interesantes y ricas exposiciones, conciertos y proyecciones, en una ciudad, desde mi punto de vista, siempre cambiante”.
En esta etapa londinense, Patricia Atzur va alternando sus dos aficiones y pasiones: la fotografía y la música. En cuanto a la fotografía destaca el trabajo de fotografía realizado durante un tiempo como directora creativa de Karpa Records (2016-2017) y en cuanto a la música y bajo el nombre artístico de Jane Silver empieza a formar y a desarrollar su propio estilo musical, una versión actualizada de la música folk, folk onírico influenciado por la música anglosajona que se nutre y se inspira en artistas como Nick Drake, Joan Baez, Joni Mitchell o John Martyn o de bandas como Crosby, Stills and Nash, Pentangle o Led Zeppelin entre otros.
El año 2018 es un año intenso musicalmente para Patricia como compositora, vocalista y guitarrista pues a lo largo de todo el año van apareciendo sus primeros temas propios y acompañada por algunos músicos amigos como Ben Clarkstone (bajo), Gabriel Kazz (mandolina, guitarras y coros) o Navad Brand (batería) entre otros y, aún como Jane Silver, aparecen los temas «The Roses Are Cold Stones» (enero, 2018), «Life Of A Star (Moon Dust)» (mayo, 2018), «Marble» (julio, 2018) y «Life Goes On» (diciembre, 2018).
Entre marzo y junio de 2019, y aún como Jane Silver, aparece su primer trabajo «Wooden Fortress», un EP con cinco temas en inglés compuestos por ella misma y donde ya nos da una exquisita muestra de lo que es su particular y sensible estilo musical de folk onírico. El disco está formado por los temas «Medieval Song», «The More You Say It The Less I Believe It», «The Woman With Flowers», «Invisible Spiders» y «Wooden Fortress».
Tras finalizar, a finales de 2019, sus estudios universitarios en el London College of Creative Media sigue alternando sus conciertos en el circuito de locales de música en vivo de Barcelona con su estancia en Londres trasladándose definitivamente a Barcelona como consecuencia del inicio de la pandemia de covid-19.
A pesar de haber estado tocando a menudo en solitario en la ciudad de Londres por varios pubs los últimos años y aunque la composición de las canciones es esencialmente un proyecto en solitario, en Barcelona ha llevado sus canciones al formato banda, con un conjunto formado por Patricia Atzur a la voz y guitarra acústica, Salva Criado a la guitarra eléctrica, Gabriel Kazz a la segunda voz, guitarra de doce cuerdas y mandolina, Elle León a la segunda voz y percusión, Ferran Alemany a la batería e Ybra Lira al bajo y donde la banda no tiene ningún problema en experimentar con el formato a utilizar dependiendo del público al que se enfrente y utilizando como vehículo su género personal , indie folk o folk onírico .
En junio de 2021 aparece “Seasons”, el esperado EP de su debut ya como Patricia Atzur con cuatro temas «In time», «Dunes», «Nomads» y «Dandelion» que supone todo un acontecimiento en el panorama de música emergente y que le comporta un gran reconocimiento de la crítica y público en general.
El año 2021, y a pesar de la pandemia por el covid-19, es un magnífico año para Patricia Atzur pues gana el premio del jurado especializado en el concurso de cantautores «Portautors» en el Teatret del Serrallo (Tarragona) y participa en otros varios festivales importantes de música como el del «Festival Accents» (Reus), el del Altacústic (Altafulla), el de Santa Tecla o el de «Es Claustre» (Menorca).
Sin duda, un buen presagio de lo que está por venir de esta extraordinaria artista y persona que además cuenta con la extraordinaria colaboración en la mayoria de sus conciertos del gran músico y persona Salva Criado.
GÉNERO: Canción de autor, folk onírico e indie folk en inglés.
CIUDAD DE ORIGEN: Barcelona.
DISCOGRAFÍA:
“Wooden Fortress” (EP con cinco temas, como Jane Silver, 2019)
“Seasons” (EP con cuatro temas, 2021)
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
En este apartado de «Músicos cantautores (A-F)» podréis ver la biografía, miembros, discografía, fotos, enlaces y un vídeo representativo de los siguientes músicos:
Esteban Faro, Borraz con Zeta, Conrad Freeman, Chus (antes Chus Navajo), Blau Urdin Blue, Canciones de Nadie, El sobrino del Diablo, Adeline, Dino Ratso, Cairaco (Ezequiel Serrano Valencia), Chicharro, Alba Mirás, Christian Dorico, Desorden Juanra, Daniel Cerdà Emery (incluye a Charada, Val & Dani, Erasmo Val&Dani y Flam&Co.), Chapaos a la Nueva, el Niño de la Hipoteca, Dani Flaco, Daniel Higiénico, Carlos Bragado,
BIOGRAFÍA: Carlos Bragado Martínez es un músico, guitarrista y compositor nacido en la provincia de León, que reside actualmente en Sant Cugat del Valles (Barcelona) y que es un claro ejemplo de lo que es un músico totalmente vocacional y autodidacta.
En León y siendo adolescente, Carlos Bragado tenía incluso su propia banda, pero acabó centrándose en sus estudios de Administración y Dirección de Empresas y una vez licenciado en ADE se dedica al asesoramiento laboral y a los recursos humanos.
Pero, aun así, Carlos Bragado tenía muy claro su verdadera vocación y no dejó nunca de hacer maquetas y demos con su música, una mezcla de pop y folk con canción de autor. Estudia un grado superior de sonido que realmente era lo que quería hacer y ejercer como técnico musical, un trabajo que compagina con un impulso decidido a su carrera como cantautor.
Aún en León y con el sobrenombre de “Lines” forma su propia banda “Lines Band Music” formada por Carlos Bragado (voz y guitarra), Alfredo Fernández (guitarra y coros) y José María Aláez (cajón y percusión) ofreciendo conciertos y presentando sus propios temas en todos los locales de música en vivo de León como, por ejemplo, el pub Molly Malone’s o Le Bon Café Rock entre otros.
Después de un tiempo y de una evolución para definir su estilo musical, empieza a ir publicando las canciones propias que tenía guardadas en un cajón y en 2007 presenta su primer trabajo en solitario “Grabaciones desordenadas”, un EP producido por Alejandro Álvarez (Gato Idiota) con siete temas con letras sinceras y desnudas, enfundadas de aires melancólicos, que recrean ambientes nostálgicos y realistas, logrando así atmósferas envolventes y cálidas en cada uno de sus directos.
En septiembre de 2018 Carlos Bragado publica su segundo trabajo en solitario titulado homónimamente “Carlos Bragado” bajo el sello independiente de la Cúpula Music que es grabado, editado y masterizado por Aleix Garrriga en los estudios «La Llar de Folk» y que contiene cinco temas propios y una versión del tema clásico “If Not For You”.
Carlos Bragado que compone las canciones, escribe las letras y graba los temas con los cuales incluso ha creado sus propios videoclips es muy sutil con sus composiciones logrando una pura esencia pop/folk acústico intimista. Sus letras nos hablan de temas que tiene muy de cerca o que le afectan directamente.
Como él mismo explica: “No me sale escribir en tercera persona y en cuanto a mi proceso creativo, no me marco ninguna idea pues partiendo de una idea o un sentimiento dejo que fluya la inspiración intentando tener siempre una guitarra a mano y dejándome llevar”.
GÉNERO: Canción de autor pop-folk.
CIUDAD DE ORIGEN: León CIUDAD ACTUAL: Sant Cugat del Vallés (Barcelona)
DISCOGRAFÍA PROPIA:
“Grabaciones desordenadas” (EP con siete temas, Granja Beat, 2007)
“Carlos Bragado” (EP con seis temas, 2018)
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
En este apartado de “Músicos de reggae, músicas populares y del mundo, música balcánica, canción francesa …» podréis ver la biografía, miembros, discografía, fotos, enlaces y vídeos representativos de los siguientes músicos:
Koers, Mandé Africa, Moon Wok, Die frau unter der laterne, Pierre Arnaud, Barcelona Gipsy balKan Orchestra” (BGKO),
BIOGRAFÍA: “Barcelona Gipsy balKan Orchestra” (BGKO) es un grupo de música balcánica, klezmer, gitana, folk y world music integrado por músicos de variadas nacionalidades residentes en Barcelona que se creó, como tal, a partir de noviembre de 2015.
El origen de la “Barcelona Gipsy balKan Orchestra” lo encontramos en la “Barcelona Gipsy Klezmer Orchestra”, un grupo de música klezmer y gitana del este de Europa fundado en Barcelona en el año 2012 por el clarinetista serbio Robindro Nikolic y el acordeonista italiano Mattia Schirosa y que durante tres años se convirtió en un referente de la música balcánica en Barcelona, ciudad en la que nació y donde, en muy poco tiempo, alcanzó una notable proyección internacional.
La “Barcelona Gipsy Klezmer Orchestra” además del clarinetista serbio Robindro Nikolic y el acordeonista italiano Mattia Schirosa estaba formada también por la cantante catalana Sandra Sangiao, el guitarrista francés Julien Chanal, el contrabajista serbio Ivan Kovačević y el percusionista griego Stelios Togias. Este sexteto se dedicó a recuperar las canciones populares de los gitanos de los Balcanes y de los judíos del Este del continente obteniendo un gran éxito en sus conciertos en Barcelona y en la mayoría de los países europeos.
En diciembre de 2012 la banda graba “Imbarca” su primer disco con doce temas y que significa “embarcación” en lengua rumana. Fue grabado en vivo capturando la esencia de la banda en el escenario. El disco originalmente contenía nueve canciones, dos de las cuales eran composiciones propias, mientras que el resto eran reinterpretaciones de canciones populares y antiguas. Algunas de ellas han estado mucho tiempo olvidadas y pertenecen al patrimonio de los músicos gitanos y judíos de los Balcanes, Europa central y del este, y de Oriente Medio.
En el año 2014, y gracias a la discográfica Satélite K, la BGKO tuvo la oportunidad de grabar tres canciones más y de re-editar el disco original con nuevos gráficos, fotografías e información sobre cada canción. Las nuevas canciones eran “La Dama d’Aragó”, “Cigani Ljubjlat Pesjni” y “Hasta siempre, Comandante” y las canciones fueron interpretadas y enriquecidas con arreglos originales siendo “Imbarca” el fruto de un intenso trabajo, búsqueda e improvisación que caracteriza a la banda.
En octubre de 2015 aparece “Balkan Reunion” el segundo disco de la banda con once temas y que nace de las amistades generadas en las giras alrededor del viejo continente. Aprovechando el concierto en la mítica Sala Apolo de Barcelona, el grupo grabó junto a celebridades como el saxofonista macedonio King Ferus Mustafov (referente de la música oriental gipsy), Vlado Kreslin (conocido por sus colaboraciones con REM) y la cantante turca Nihan Devecioglu.
El proyecto “Barcelona Gipsy Klezmer Orchestra” existió desde el año 2012 hasta el año 2015 cuando se produce la marcha de uno de sus cofundadores, el clarinetista Robindro Nikolic. El último concierto de la “Barcelona Gipsy Klezmer Orchestra” se realizó en el festival Klezmore de Viena el 8 de noviembre de 2015.
Tras la marcha de Robindro Nikolic, a partir de noviembre de 2015 la banda evoluciona transformándose en la “Barcelona Gipsy balKan Orchestra” en un nuevo proyecto que expande el horizonte artístico de la banda inicial pues además de continuar Sandra Sangiao (voz), Mattia Schirosa (acordeón), Ivan Kovacevic (contrabajo), Julien Chanal (guitarra) y Stelios Togias (percusión), se incorporan al nuevo proyecto el violinista ucraniano Oleksandr Sora y el clarinetista malagueño Joaquín Sánchez Gil que, al poco tiempo, es sustituido por el clarinetista catalán Dani Carbonell. Además la banda incorpora a sus filas al catalán Pere Nolasc Turu un segundo violinista en alternancia durante las giras.
La nueva banda convertida ahora en un septeto de músicos nómadas y apasionados exploradores de los sonidos klezmer y gitano, extiende así su inspiración a un género musical más amplio, entendiendo la música balcánica como un conjunto de tradiciones musicales y una cultura multiétnica que van más allá de sus confines geográficos y que se nutre también de todas aquellas tradiciones históricas que han habitado alguna vez estas tierras: judíos ashkenazi y sefardíes, gitanos, otomanos, árabes… Esta nueva etapa amplía la lista de países visitados a más de 35 y se traduce en una creciente proyección internacional, yendo incluso más allá de los confines de Europa para visitar Canadá y Estados Unidos.
En mayo de 2015 aparece “Europe Closes the Border / Europa Cierra la Frontera” tercer disco de la banda con nueve temas y el primero como Barcelona Gipsy balKan Orchestra, en el que las composiciones del mismo fueron específicamente hechas para la B.S.O. del documental homónimo de “El País Semanal” realizado por Carlos Spottorno y Guillermo Abril. Los siete temas hechos por la BGKO para este proyecto cuenta además con dos canciones tradicionales que la banda ha estado interpretando todos estos años: “Freilach 83” y “Lule Lule”.
En septiembre de 2016 aparece “Del Ebro al Danubio” cuarto disco de la banda con doce temas que nace fruto de la sinergia entre la experiencia del ya consolidado septeto BGKO y la inspirada colaboración de David Pastor a la trompeta, Yannis Papaioanou al oud, Dani Carbonell al clarinete e Ivan Ilic a la guitarra y que se presentó en la Sala Apolo de Barcelona el 5 de octubre de 2016.
La madurez que ofrece el nuevo disco ondea entre una amalgama de sorprendentes atmósferas sonoras muy diferenciadas entre ellas: canciones gitanas rumanas, rusas y serbias; purificadoras danzas húngaras, transilvanas, klezmer y albansesas; melodias contemplativas de la tradición catalana, árabe-libanés, judía y del sevdah bosnio… Todas ellas evocan la voluntad de ofrecer un puente para acercar riquezas culturales diferentes, tal como el título del álbum expresa.
En marzo de 2018 aparece “Avo Kanto” quinto disco de la banda con diez temas y es la continuación del viaje iniciado con “Del Ebro al Danubio”. Ellos mismos se refieren al disco así: “Son muchos los conciertos, lugares, personas, músicos y momentos que nos siguen enamorando, y que nos han inspirado cada una de las canciones que escucharéis en este disco. Casi todos son temas tradicionales, interpretados a lo largo del tiempo, generación tras generación, guardando en su interior el poder de evocar los sentimientos más profundos del ser humano. Hoy llegan a nosotros directos a nuestro corazón y nuestra alma. “Avo kanto” significa “las canciones de los abuelos” en lengua Esperanto, la única lengua capaz de expresar y dar voz a la diversidad de nuestro grupo”.
En el año 2019 aparecen junto a otros músicos en el disco colectivo “Biocultura (bcn25)” con el tema “La Dama d’Àragó”. El disco conmemora los 25 años de andadura de “BioCultura” (feria dedicada a la ecología y celebrada en mayo en el Palau Sant Jordi, de Barcelona) y la portada es de Marc Argenter llevando por subtítulo el lema “Agroecología, salut, pau, cultura i rebeldía”. El disco reúne a artistas catalanas y/o residentes en Catalunya, consagradas y emergentes, a artistas que se expresan en catalán, castellano u otros idiomas, a artistas jóvenes y a veteranas y los géneros van desde la canción de autor catalana hasta el flamenco pasando por la música “indie”, la rumba, los sonidos medievalistas, los aires balcánicos y/o la música indígena.
En Octubre de 2019 y tras siete años como vocalista de la banda, Sandra Sangiao se despide de “Barcelona Gipsy balKan Orchestra” y de su púbico con un inolvidable concierto en la Sala Apolo de Barcelona lleno hasta la bandera. Sandra ha sido indudablemente una persona crucial en la historia de la banda, desde sus principios y a lo largo de sus diversas fases de evolución.
La cantante siciliana Margherita Abita entra en la banda ocupando el lugar dejado por Sandra Sangiao y en tan sólo medio año y una gira consigue volver a dar fuerza y unión al proyecto demostrando de nuevo que la “Barcelona Gipsy balKan Orchestra” es capaz de sobrevivir y evolucionar, pese a las elecciones individuales de sus miembros y a la situación histórica del mundo. En febrero de 2020, la BGKO comienza sus giras internacionales en Italia y después de un exitoso debut de sus primeros vídeos juntos, “Kalejaca Jaca” y “Marijo, deli Bela Kumrijo”, con la inestimable colaboración de la nueva cantante Margherita Abita que da un soplo vital de aire fresco, la BGKO se embarca en este nuevo viaje.
En octubre de 2020 y en medio de la pandemia del Covid-19 aparece “Nova Era”, sexto disco de la banda con trece temas que ellos mismos definen así: “La “Pausa” en la que nos hemos encontrado nos ha permitido experimentar un nuevo proceso de creación, que se refleja en este poderoso resultado. Sentimos que hemos entrado en una nueva etapa de este ecléctico grupo y “Nova Era”, en Esperanto, nos conecta con el pasado y nos proyecta hacia nuestro futuro.
En definitiva, la “Barcelona Gipsy balKan Orchestra”, fiel a sus orígenes, continúa recorriendo un camino que comenzó hace mucho tiempo, con ganas de investigar nuevos sonidos y expandir la larga lista de lugares del mundo donde actuar, seguir experimentando y aprender.
Barcelona Gipsy BalKan Orchestra interpretando su tema “Ciganine Sviraj, Sviraj” incluido en su último disco “Nova Era” (Videoclip oficial de la grabación del tema en el estudio, octubre 2020)
Barcelona Gipsy BalKan Orchestra actuando en directo junto a los músicos serbios Bora Dugić (flauta) y Boban Prodanović (acordeón) y con Sandra Sangiao como vocalista de la banda en el Teatre Grec de Barcelona en 2017
Barcelona Gipsy BalKan Orchestra interpretando en directo su tema «Makedonsko devojče» incluido en su disco «Avo Kanto» con Sandra Sangiao como vocalista de la banda en Munich (Alemania) en 2018 dentro de la gira de presentación del disco.
Barcelona Gipsy BalKan Orchestra interpretando en directo su tema “Djelem Djelem” incluido en su primer disco “Imbarca” aún con uno de los fundadores de la banda inicial, el músico serbio Robindro Nikolic al clarinete (2014)
Barcelona Gipsy BalKan Orchestra interpretando en directo el tema “Hasta siempre, comandante” con Sandra Sangiao como vocalista de la banda en el concierto a beneficio de los refugiados en el Ateneu 9 Barris en mayo de 2016“
En este apartado de «Músicos cantautores (LL-P)” podréis ver la biografia, miembros, discografía, fotos, enlaces y un vídeo representativo de los siguientes músicos:
Nano Samper, Nerea Bassart, Mon Feijóo, Matías Costa, Marion, Mr. Rodríguez & el Sobrino del Diablo, Mr. Rodríguez, Miguel Aranda, Mateólika, Miguel Ángel Bueno, Mia Fuentes, Pepe Vacas, Mario Maeso, Patricia Atzur,
BIOGRAFÍA: Mario Maeso es un músico cantautor, guitarrista, compositor y productor franco-uruguayo residente en Barcelona. Aunque nació en Bruselas y posteriormente residió y estudió en la localidad francesa de Chelles, próxima a París, en 1985 se traslada a Montevideo en Uruguay hasta que en 1994 vuelve a París para proseguir con sus estudios musicales. Ha vivido y se ha formado entre Montevideo y París y desde hace bastantes años reside en Barcelona.
En Montevideo, a comienzos de los años noventa y mientras cursa sus estudios en el Lycee Français de la ciudad, compone y toca el bajo y la guitarra en diferentes bandas como “Costumbres”, “Waca-waca one more band”, “Samantha y sus macacos” y participa en el espectáculo “Guitarra, bajo y percusión, un solo corazón”.
En 1994, obtiene una beca para ir a estudiar musicología a París y se traslada de Montevideo a París donde durante cuatro años estudia la licenciatura de musicología en la universidad de París VIII en Saint Denis.
En París forma el grupo de candombe-pop “Radar” con el que graba en el año 1999 el disco de canciones propias “Buen Viaje” un CD con once temas grabado y mezclado en Paris y Montreuil por Daniel «Dédé» Diaz y producido por Pablo Méndez, Mario Maeso y Daniel «Dédé» Diaz para Ito Records.
Tras esta etapa parisina Mario Maeso se traslada a Barcelona y en el barrio del Raval entra a formar parte de la banda “Avenida Brasil”, un grupo y/o combo de músicos inquietos y dispares con el fin común de lograr hacer bailar a la gente rescatando lo mejor de la samba-rock, funk y reggae del mundo. La historia comenzó en el “Harlem Jazz Club” de Barcelona, donde la banda fue contratada para un par de fechas en el verano del 2001. El grupo tenía menos de un año, pero la respuesta del público, que se levantó a bailar con los primeros acordes, hizo que “Avenida Brasil” fuera, desde entonces, la anfitriona de las noches de los viernes en el club.
En directo “Avenida Brasil” funde pagode, samba, afoxè y otros estilos musicales típicamente brasileños con el funk y el reggae en una actitud digna de una banda de rock. Sin concesiones, sin dar un respiro al público, una imparable energía fluye desde el escenario hacia los asistentes al concierto que les permite llenar salas ininterrumpidamente con su «samba funk» durante tres años antes de grabar su primer disco.
En 2004 con “Avenida Brasil” aparece el disco “Balanço Samba-funk” un disco con doce temas grabado con Afro-Blue records/Dismedi y donde Mario Maeso a la guitarra y composición de casi todas las canciones del disco en portugués, participa junto a Edi “Chumbinho” Barceló a la voz, Nicolás Correa a la batería y Taquini Núñez al bajo. Posteriormente, Mario Maeso participa en el segundo disco de Avenida Brasil “Vida Real” que presentan a principios del año 2011 en la sala Luz de Gas dentro del festival MPB de Barcelona y que Mario Maeso (guitarra y coros), participa junto a Nicolás Correa (batería), Rodrigo Balduino (bajo), Claudio Nervi (teclados) y Rodrigo Martins Galvão (voz, saxos y flautas).
En el año 2011 entre los meses de enero y noviembre participa como colaborador y locutor en el programa «Sabrosura» dentro de la sección «El sabor no ocupa lugar» en Radio Gladys Palmera de Barcelona.
En 2012 aparece su primer proyecto en solitario “Café” un CD con trece temas grabado con Aglae Música/DM que es una síntesis de las experiencias vividas y una recopilación de composiciones propias y ajenas en castellano, francés, portugués e inglés. En este trabajo acompasado por un cajón, un contrabajo y un Fender Rodhes, Mario Maeso se toma algunos cafés con músicos amigos, invitados de lujo para este disco que irá presentando y promocionando durante los siguientes cuatro años por España, Europa y Latinoamérica.
Sus canciones abrazan ritmos y estilos que van desde el candombe y el samba brasileño hasta la chanson y la bossa nova, músicas que fusiona con pop, funk y reggae con gusto, elegancia, sentimiento y humor.
En julio del año 2014 Mario Maeso participa junto a otros cantautores, bandas y duetos como, por ejemplo, “Canciones de Nadie” en la Fira de la música en Cardedeu y obtiene el primer premio de la Asociación de músicos de Cardedeu (Asmuca) en la categoría de mejor cantautor.
También durante el verano de 2014 participa junto a la cantante y productora argentina Sandra Rehder y al percusionista uruguayo Álvaro Pérez en algunos conciertos bajo el nombre de “Trío Afluentes” donde Mario Maeso (guitarra y voz), Sandra Rehder (voz) y Álvaro Pérez (tambor, cajón y accesorios de percusión) ofrecen temas de candombe y de tango que aunque comparten la misma raíz africana, hicieron evoluciones distintas.
En 2015 graba el video clip de la canción “Mil cosas” ideado y dirigido por Nicolas Alberte junto a Martín Buscaglia y al Conejo Azul y realiza una gira llamada “Café con alma” que empieza en Barcelona y le llevará por ciudades como Buenos Aires, Montevideo, Paris, Rosario, Lisboa, Bruselas, Valencia, Novelda o Alicante entre otras ofreciendo sus canciones en formato guitarra y voz, con invitados.
En 2016 aparece su segundo proyecto en solitario “Secretitos I” un CD con nueve temas grabado en Montevideo bajo la producción de Martín Buscaglia para la prestigiosa compañía Los Años Luz y donde realiza un repertorio intimista en formato trío de canciones que van desde la bossa nova pasando por el reggae, funk, candombe, pop, jazz y canción francesa, conjugándolos de un modo singular. El disco es presentado durante 2016 y 2017 en diversos países como Argentina, Uruguay, Chile, México, gran parte de España, Francia y algunos otros países de Europa.
Además de componer e interpretar sus propios temas Mario Maeso trabaja con frecuencia para otros músicos haciendo arreglos musicales, cediendo temas para sus discos o produciéndolos. Entre sus composiciones para otros artistas destacan la canción “Sinestesia” grabada por el grupo vocal “Ol’Green” en el disco “A la verda”, la canción “Azar” grabada por el cuarteto vocal cubano “Gema 4” en el disco “For a New Dream” y las canciones “Mil cosas” y “Samantha Brown” grabadas por Martín Buscaglia que aparecen respectivamente en los discos “Plácido Domingo” y “Llevenlé”. Como productor co-produce en el año 2017 el disco “Reflets” para la cantante Florence Osty y en 2018 compone y escribe junto a Gustavo Recalde las canciones del espectáculo “Bantú el Musical” junto al grupo “Candombe Bantú”. De este último espectáculo grabado en diciembre del 2018 en Palau Solitá i Plegamáns por Paulino Peña aparece un disco mezclado y masterizado por Didier Richard en Sant Martí d’Empuries en enero 2019 en el cual Mario Maeso se encarga de la dirección musical y arreglos.
Entre otros proyectos musicales Mario Maeso presenta “Songbook en Fleur” y “Une Histoire de la Chanson Engagée” que son espectáculos en francés e inglés adaptados y a pedido de las Escuelas Oficiales de Idioma de Catalunya y trabaja y compone para “Publicitarios Implicados” destacando la canción «Amigos de agua» en el proyecto «Una canción, un destino».
En cuanto a los conciertos, Mario Maeso aparte de ofrecer sus actuaciones tanto en solitario como acompañado por una banda, también actúa o ha actuado en proyectos musicales con otros músicos ofreciendo conciertos y espectáculos como “Groove & Dombe” dúo musical junto al percusionista uruguayo Álvaro Pérez (“Candombe Cool”) con el fin de difundir de manera ecléctica el candombe, “Laura Flores Trio” junto a la cantante cubana residente en Barcelona Laura Flores y al percusionista uruguayo Álvaro Pérez (“Candombe Cool”) ofreciendo una propuesta musical seria, acotada, diferente y atrevida con una poderosa voz acompañada de la exquisitez de la guitarra y las percusiones, “Florence Osty Trio” junto a la cantante Florence Osty y el percusionista Álvaro Pérez, “Duo Café Calin” junto al músico Bruno Gimeno con un repertorio de Chansón francesa que ofrecieron en numerosos conciertos en «El Pastís» de Barcelona, los dúos “Café con alma” junto a Mel Semé” o “Buen viaje de vuelta” junto a Daniel Bravo o con el cantautor argentino “Sebastián Reyes” entre otros proyectos.
En 2018 comienza la grabación de “Tatú”, su tercer CD de estudio con la producción de Gonzalo Lasheras y arreglos de Lalo Zanelli.
Mario Maeso se presenta actualmente en directo en distintas salas a ambos lados del atlántico, sólo en acústico, compartiendo escenario con otros músicos y/o actuando y colaborando en otros muchos proyectos junto a otros músicos. Además se encarga de la excelente programación musical en “Cueva de Lobos”, una pequeña sala de conciertos del barrio de Gràcia, ofreciendo una exquisita variedad de conciertos emotivos y divertidos.
GÉNERO: Canción de autor, folk & world en diferentes idiomas.
CIUDAD DE ORIGEN: Bruselas. CIUDAD ACTUAL: Barcelona.
DISCOGRAFÍA PROPIA:
“Café” (CD con trece temas, Aglae Música, 2012)
“Secretitos I” (CD con nueve temas, 2016)
“Tatú” (CD con trece temas, 2008)
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
Mario Maeso interpretando en directo y en acústico sus temas «Yemanja» ,»Azar», «Mamá Michelle» , «Tatú» , «Reset», «Jardín», «Tiramisú», «Nada mal», «Calma despierta» y «Mil Cosas» para Bamboo Sessions Estudio Satori, BA (Argentina, 2016)
Mario Maeso interpretando en directo junto a “Gema 4” (Tal Ben Ari, Odette Tellería, Michèle Alderete y Laura Flores) una versión francesa de Mario Maeso del tema de J.M. Cano “Me cuesta tanto olvidarte” con arreglo de voces de Michèle Alderete Espigul y la participación de Marcelo Arnal, Rodrigo Balduino y Juan «Pluma» Cruz en la sala Jamboree de Barcelona (2012)
Mario Maeso interpretando en directo y en acústico su tema “A luz dos días” incluido en su disco “Café” junto al guitarrista Paul Bosauder en el concierto en “Cueva de Lobos” de Barcelona en junio 2019.
Mario Maeso interpretando en directo una versión del tema de Charly Garcia “Los Dinosaurios” en el concierto de presentación del disco “Secretitos 1” en el Café Vinilo de Buenos Aires junto a Paolo Buscaglia al cajón y Hernán Flores al bajo el 7-10-2016.
Mario Maeso interpretando en directo junto a “Mariana Lucía” su tema «El funky del bandido» y el tema «Temptation» de Tom Waits con la participación de Marcelo Arnal al piano, Rodrigo Balduino al bajo y Juan «Pluma» Cruz a la batería en la sala Jamboree de Barcelona (2012).
BIOGRAFÍA: Daniel Sánchez García, más conocido como Dani Flaco, es un excelente cantautor, músico y poeta nacido el 10 de mayo de 1977 en el barrio de Bellvitge de L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona).
Dani Flaco conocido así por su delgadez desde que destacaba en el equipo de fútbol de su barrio, la Unión Deportiva Unificación Bellvitge, despertó el interés de clubes como el Centre d’Esports L’Hospitalet o el RCD Espanyol pero una lesión frustró su carrera deportiva lo que hizo que se centrara plenamente en la música.
En cuanto a su trayectoria musical, Dani estudió solfeo a los diez años de edad y sus inicios fueron tocando la tuba, pero a los once años decidió que su instrumento era la guitarra. Con quince años participó con la banda musical de su barrio Amics de la Música de Bellvitge (AMB) en la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92 y a los dieciséis años entra a formar parte de “Despido Improcedente” una banda que hacia versiones de rock, debutando en el festival de Amnistía Internacional que se celebró en L’Hospitalet en el año 1996.
Tras esta primera experiencia juvenil que le sirve para aprender y coger experiencia tanto en ensayos como en conciertos, Dani Flaco participa en numerosos proyectos musicales con diferentes bandas y con diferentes tendencias y estilos musicales y a veces hasta de forma simultánea.
Así formará parte de la “Orquesta Diessel”, de “Bosquimanos” grupo mexicano de rock mestizo con el que hace una gira por España, de “Matari”, de “Moussa & The Latin Reggae Band”, formación de reggae clásico con toques afro-latinos fundada por Moussa Castro a finales de 1999, después de casi diez años militando como bajo y voz en “Agua Bendita” y de “Camálics” banda de L’Hospitalet de música folk con un continuo desarrollo hacia otros estilos.
En estas dos últimas bandas ya aparecen algunos temas de Dani como autor, el tema “La gota que colma” en “Gorée” primer disco de “Moussa & The Latín Reggae Band” grabado y mezclado en los estudios Panorama de San Climent de Llobregat de Barcelona y editado por Tralla Records en el año 2000 y el tema “No sé lo que digo” en “Una noche a la sombra” tercer disco de “Camálics” que aparece en el año 2003.
A principios del año 2002 Dani Flaco decide emprender su carrera en solitario como cantautor y con varias maquetas grabadas hace su presentación como cantautor en el PAM (Punto de Acción Musical) del Centro Cultural de Sant Feliu, en cuyo escenario interpreta temas propios pero de diferentes tendencias musicales fruto de sus influencias y experiencias profesionales donde ha predominado el mestizaje, y a partir de ahí empieza a hacer conciertos por un gran número de bares y locales de Barcelona y sus alrededores.
En 2005 la discográfica Vicious Group se fija en él y le da la oportunidad de lanzar su primer disco “Salida de Emergencia” un CD con trece temas donde recoge todas sus primeras composiciones y del que posteriormente se edita una edición especial con un tema más y vídeos en DVD.
También en el año 2005 participa con su tema “Una salida de emergencia” en la grabación del disco colectivo “Vengo a cantautar” de la productora barcelonesa “Les Nits de l’Art”, donde coincide con artistas de la talla de Quique González o Pancho Varona. “Vengo a cantautar” debe su nombre a una canción del cantautor Alejandro Martínez y es tomado por “Les Nits de l’Art” en el sentido más irónico posible, sin más pretensión “desenfadada” pero firme de reivindicar el oficio de hacer, componer, crear e interpretar canciones y el derecho a poder mostrar escénicamente ese trabajo.
Al año siguiente en 2006 graba un segundo disco colectivo titulado “Cantautar” en el que interpreta la canción “Que tinguem sort” de Lluís Llach. El disco “Cantautar” es un homenaje a la Nova Cançó catalana donde varios artistas habituales de la primera generación de «Les Nits de l’Art» rinden homenaje a los cantautores de la Nova Cançó catalana, versionando canciones de éstos. Este homenaje se caracteriza y diferencia de otros que se hayan podido hacer en que la mayoría de los artistas, son catalanes pero habituales en expresión en lengua castellana, hijos de inmigrantes de primera generación y residentes en su mayoría en el área metropolitana de Barcelona. Todos, han crecido con estas canciones, y las han adaptado a su terreno musical.
En el año 2006 también participa interpretando el tema “Que tinguem sort” de Lluís Llach en la grabación del disco «La Marató de TV3» que en su segunda edición editó un nuevo disco con canciones que tenían como eje central la superación personal y la fuerza de voluntad sobre el sufrimiento y la soledad, conceptos asociados a la enfermedad que centraba el programa: El dolor crónico.
Y también en el año 2006 participa en el disco colectivo “L’astrolabi 10 años por la borda” un doble CD grabado en directo en el emblemático y ya desaparecido local de conciertos en vivo “L’Astrolabi” del barrio de Gràcia en Barcelona, que regentaba el extraordinario Miguel Barra «Mini», para conmemorar los diez años de conciertos. Dani Flaco participa con el tema “Inés” junto a otros músicos como Miguel Barra «Mini», Nelson Poblete, Drfargo Juli Efe Ge, Rafa Pons, Jordi Lligadas, Gabriel Maugeri, Depop, El Sobrino del Diablo, Inés Macpherson, Nando Caballero, Mr. Rodriguez, Jep Cardona, Jordi Sugranyes, Pepet i marieta, Drôle de Sire, Alfonso Mora, Alejandro Martínez, Meritxel Naranjo, Jordi Cantavella, Pedro Alférez, Nituniyo, John Ward, Juantón el Equilibrista, Byron, Paco en la luna, Methafora y Alaiki.
En 2008 aparece su segundo disco “Fuerzas de Flaqueza” un CD con trece temas y empieza a colaborar con otros músicos interpretando algún tema de sus discos. Así, por ejemplo, colabora en el disco “Asuntos internos” de Rubén Mata en el tema “También fuimos los mejores” (2008) y en el disco “Incierta memoria” de Pablo Ager en el tema “Miss utopía” (2008).
Tras estos dos primeros discos, en el año 2009 publica “Xarnego” un CD con nueve temas pertenecientes a sus dos discos anteriores pero versionados en catalán junto a sus temas incluye «Que tinguem sort» de Lluís Llach. También en el año 2009 colabora en los discos “Perder la dignidad” de El Sobrino del Diablo en el tema “(Whitney) Houston, tenemos un problema” (2009) y en el disco “Pésimo optimista” de Albert Sans en el tema “Palmeras de neón” (2009).
En 2010 Dani Flaco publica su cuarto disco “Secretos de sumario” un CD con once temas y colabora en el disco “Dejarse la piel” de Chivo Chivato en los temas “El silencio de las hadas”, “Volviendo a casa” y “Más de lo mismo” (2010).
Dos años después, en el 2012, publica “Cada vez más flaco (Directamente en Barnasants)”, un CD+DVD con dieciséis temas, cuatro de ellos nuevos, grabado en directo en el concierto que Dani Flaco ofreció el 3 de febrero de 2012 en el Teatre Joventut de L’Hospitalet de Llobregat en la XVII edición del Barnasants, siendo la novena vez que Dani Flaco participaba en dicho festival. Este mismo año colabora en el disco “Al otro lado” de Cebra de paso en los temas “A todas o a ninguna” y “Perdido en el tiempo” (2012).
En el año 2013 publica “La historia del tío Jack” un CD con diecisiete temas grabado en vivo por Lluis Cots en L’Oncle Jack de L’Hospitalet durante los días 20, 21 y 22 de diciembre de 2012 y en el cual Dani Flaco a la guitarra, armónica y voz está acompañado por Pepo López a la guitarra, mandolina y coros. Este mismo año colabora en el disco “2º Round” de Chivo Chivato en el tema “Decisión y coraje” (2013) y en el disco “Descosíos” de Diego Marín en el tema “Dulcinea” (2013).
En febrero de 2014 aparece “Versos y madera” un CD con doce temas, autoeditado por el método del crowdfunding, del que despachó más de mil copias en la primera semana y que es un trabajo más acústico y reposado, con detalles cercanos al folk. Como el mismo Dani Flaco asegura: “El disco “Versos y Madera” es su trabajo más personal, cuyas canciones están todas hechas de madrugada en el sofá de casa… Es un álbum muy de verdad, en el que he aprendido a conseguir la misma intensidad de siempre pero de otra manera. Siempre he intentado hacer canciones de verdad, pero esta vez ha sido la primera en que me ha dado pudor al desnudarme por todo lo que he contado».
Este mismo año aparece el disco “¿Queréis partido?” un CD con trece temas junto a Rafa Pons en el Barnasants y grabado en vivo el 6 de abril de 2013 en Can Massallera (Sant Boi de Llobregat) en el marco de la XVIII edición del Festival BarnaSants y colabora también en el disco “20 años a contratempo” de Leña Verde en el tema “Rumba das nenas” (2014). En el año 2015 colabora en el disco “Teoría del caos y de tu boca” de Rubén Mata en el tema “También fuimos los mejores” (2015).
En el año 2016 realiza la gira “Diez años de flaco” y a dúo con el guionista y director de cine Juan Cruz realiza la gira “Flaco Favor” en la que combinan canción y poesía. En este mismo año colabora en el disco “Baile de lágrimas” de López de Guereña en el tema “Elogio de la vida contemplativa” (2016) y en el disco “Urgente” de Jorge Tylki en el tema “Aún tenemos luna” (2016).
En febrero de 2017 aparece “Verbenas y fiestas menores” un CD con trece temas donde nos muestra un Dani Flaco más roquero, a un artista más maduro, a un escritor de canciones cada vez más cuidadoso y a un músico con una identidad cada vez más propia. El disco es presentado en marzo en Barceloa en la Sala Luz de Gas después de haberlo presentado en febrero en Madrid. Tras presentar el disco en el festival de BarnaSants realiza una gira que le lleva a Valencia, Murcia, Sevilla, Granada, Bilbao y Salamanca entre otras ciudades.
El 19 de Septiembre de 2019 Dani Flaco publica su primer poemario “Uni-versos silvestres” un libro de poemas que aparece bajo el sello Aguilar y dentro la colección Verso y cuento.
En octubre de 2019 publica “Al alimón” un CD con once temas cantando a dúo algunos de sus temas con varios artistas le acompañan en este nuevo proyecto. Un proyecto en el que se ve reflejado el respeto y el cariño de muchos compañeros hacia Dani Flaco y con los que ha podido compartir esta aventura como M-Clan, Andrés Suárez, Santi Balmes, Javier Ruibal, Manolo García, Ismael Serrano, Rebeca Jiménez, Las Migas, Álvaro Urquijo, Pedro Guerra o Marc Ros.
Durante el año 2020 Dani Flaco presenta en solitario o junto a su banda “Al alimón” su nuevo trabajo que marca un antes y un después en su carrera y que aparte de presentar a lo grande por todo el país, como el gran músico reconocido que es actualmente, no olvida sus inicios y también se le puede escuchar en pequeñas pero emblemáticas salas como “L’Oncle Jack” o “La Fada Ignorant”. En este mismo año colabora en el disco “Desordenados, Vol.1” de Guille Dinnbier en el tema “Huracán” (2020).
Aparte de su propia discografía y la colaboración en discos con otros músicos Dani Flaco también ha participado en algunos discos colectivos junto a otros músicos como “Le cose di Amilcare” con el tema “Cuore in bancarotta” (2012), “Si els fills de puta volessin… el Quico es faria caçador” (Homenatge a Pi de la Serra) con el tema “Passejant per Barcelona” (2014), “Cançons d’amor i anarquía” de Joan Isaac en directe al BarnaSants con el tema “Historia de tres amigos” y con todos los demás músicos en los temas “A las barricadas” y “Here’s to you” (2014), “No hi ha qui els pari” (Tribut a Sangtraït) con el tema “Reina del Gel” (2014), “La sonrisa de Krahe” (Concierto homenaje a Javier Krahe) con el tema “Nos ocupamos del mar” (2019) y “Cuba va!” (Cançons per a una Revolució) con el tema “Y en eso llegó Fidel” (2020)
Dani Flaco se define como «aprendiz de todo y maestro de nada», que resume una carrera musical que le ha acercado a diferentes tendencias y estilos entendiendo su música como una fusión conciliadora de estilos, géneros y formas dispares y demostrando una vez más que los músicos emergentes que inician su andadura musical en pequeños locales y conciertos pueden llegar a convertirse gracias a su talento y esfuerzo en figuras indispensables en el panorama musical nacional.
GÉNERO: Canción de autor pop-rock y diferentes estilos.
CIUDAD DE ORIGEN: Barri de Bellvitge de L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona).
DISCOGRAFÍA PROPIA:
“Salida de emergencia” (CD con trece temas, 2005)
“Salida de emergencia” (Edición especial) (CD con catorce temas, 2006)
“Fuerzas de flaqueza” (CD con trece temas, 2008)
“Xarnego” (CD con nueve temas, 2009)
“Secretos de sumario” (CD con once temas, 2010)
“Cada vez más flaco” (Directamente en Barnasants) (CD con dieciséis temas, 2012)
“La historia del tío Jack” (CD con diecisiete temas, 2013)
“Versos y madera” (CD con doce temas, 2014)
“¿Queréis partido?” (CD con trece temas junto a Rafa Pons en el Barnasants, 2014)
“Verbenas y fiestas menores” (CD con trece temas, Granja Beat, 2017)
“Al alimón” (CD con once temas, 2019)
COLABORACIONES EN LOS DISCOS DE OTROS MÚSICOS:
COLABORACIONES EN DISCOS COLECTIVOS JUNTO A OTROS MÚSICOS:
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
Dani Flaco interpretando en directo su tema “Corazón en bancarrota” en la XVII edición del Festival Barnasants grabado en el Teatre Joventut de L’Hospitalet de Llobregat el 03-02-2012 y realizado por Simpatik Films
Dani Flaco interpretando en directo su tema “Llegó la primavera” en la XVII edición del Festival Barnasants grabado en el Teatre Joventut de L’Hospitalet de Llobregat el 03-02-2012 y realizado por Simpatik Films
Dani Flaco interpretando en directo su tema “La última vez” en la sala Euterpe de Alicante
Dani Flaco interpretando en directo su tema “Versos y madera” en L’Oncle Jack de L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona) en julio de 2020
Dani Flaco interpretando en directo su tema “Cincinnati” en la sala Luz de Gas de Barcelona en octubre de 2013
Dani Flaco interpretando en directo junto a Rafa Pons el tema de Rafa Pons “Que pasen cosas” en L’Oncle Jack de L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona) en julio de 2012
BIOGRAFÍA: Daniel Higiénico es el alter ego de Daniel Soler Boquera un polifacético artista nacido en Barcelona el 20 de septiembre de 1960 que destaca fundamentalmente como cantante, músico y compositor y también destaca como escritor habiendo publicado varios libros. Aunque nació y vive en Barcelona, ha pasado muchos años de su vida en Palma de Mallorca.
Daniel Higiénico es un cantautor que ha hecho del sentido del humor y de la capacidad para contar historias una forma de vida y donde sus canciones no se encasillan en un estilo sino que trascienden géneros moviéndose con total libertad entre el blues, el rock, la rumba, el funk, la canción castellana medieval, etc, y transformando sus conciertos en una personal perfomance teatral.
Empezó a componer canciones desde muy joven aunque no empezó a actuar en público hasta los treinta años en Palma de Mallorca, ciudad en la que residió desde 1989 hasta 2001. A partir de ese momento descubrió que sus canciones gustaban y tenían un público y decidió arriesgarse a seguir su vocación dejando su empleo en un taller de automóviles y dedicándose a ofrecer conciertos descubriendo, poco a poco, hacia donde quería dirigir su trabajo.
El mismo Daniel explica magistralmente como empezó todo: ”Empecé a dedicarme a la música en 1990, a los 30 años, tocando en pequeños locales de Mallorca. Yo siempre había querido ser cantautor, desde muy pequeño. Pero lo tenía como una cosa utópica, y al final se convirtió en un hobby que llenaba mis ratos de ocio. Empecé a tocar la guitarra con cuatro acordes fijándome en mi hermano mayor que tocaba mayormente en excursiones y reuniones de amigos y enseguida me di cuenta que con aquellos acordes podía hacer canciones. Me metía en mi habitación y empezaba a componer, las grababa en un cassette y allí se quedaban. Solo se las enseñaba a una amiga con la que compartía mi “secreto” y poco más. El problema fue que era un adolescente muy introvertido y me daba pánico cantar en público… Hasta que un día unos amigos me animaron a cantar en el bar S’Ombra de Palma de Mallorca… Recuerdo que en el escenario me temblaban las piernas (espero que los que estuvieron esa noche pensaran que estaba llevando el ritmo), pero cuando empecé a cantar noté un cosquilleo muy raro en el estómago… como si me estuviese creciendo algo en mi interior… Supongo que era Daniel Higiénico que quería salir al exterior… Lo tuve claro esa misma noche… Fue algo instantáneo… A la semana siguiente dejé mi empleo de planchista de coches en la Peugeot y desde entonces vivo de la música, de mis canciones y de mis ideas. Desde el principio me propuse no encerrarme en ningún estilo musical, ni con las temáticas de las letras, ni con el tono del mensaje. Me daba igual el humor grueso que la poesía más lírica. Me daba igual el drama que la comedia, canciones dulces o sarcásticas, reivindicativas, cantar con el alma de niño o con la bestia de un lobo. Lo importante era contar historias, y cuanto más diferentes mejor”.
En el año 1991 después de sus primeros conciertos en solitario monta su propia banda con el nombre de «Daniel Higiénico y La Quartet de Baño Band» que le permite ofrecer un espectáculo mucho más completo convirtiendo los conciertos en un espectáculo total donde Daniel va mostrando cada canción en una pieza teatral gracias especialmente a su transformación con su personaje “El Hombre Cucaracha”.
También en el año 1991 “Daniel Higiénico y La Quartet de Baño Band” se presentan al IX Concurso Pop-Rock del Ayuntamiento de Palma de Mallorca con sus temas “Espero que plantes marihuana en mi tumba” y “Quiero que tú me mates” en el que quedan semifinalistas.
En el año 1992 vuelven a participar en el X Concurso Pop-Rock del Ayuntamiento de Palma de Mallorca con el tema “Quiero que tú me mates” y en esta edición que sería la última de este concurso celebrado desde 1983, “Daniel Higiénico y La Quartet de Baño Band” llegan a la final junto a dos bandas más “Los Cuatreros” y “Mes Renou” y ganan el concurso que les da la oportunidad de grabar su primer disco de debut. De ambos concursos se editan diferentes discos con los temas de todos los participantes.
Ganar el X Concurso Pop-Rock del Ayuntamiento de Palma de Mallorca les permite a “Daniel Higiénico y La Quartet de Baño Band” en 1993 grabar su primer disco «Doble Hoja», con todos los temas escritos por Daniel, con la compañía Polygram y con la ayuda del excelente guitarrista mallorquín Joan Bibiloni y la de Toni Pastor que más tarde se convertiría en el guitarrista de la banda.
Durante esta etapa de diez años (1991-2001) la banda “Daniel Higiénico y La Quartet de Baño Band” actúa por todo el territorio español con notable éxito y su presencia en festivales y medios de comunicación le dan a conocer a un numeroso público. Su canción «El Bar de Moda» suena en todas las radios del país y sus directos, una mezcla heterogénea de rock & roll y espectáculo-show impresionan al público proporcionándole en poco tiempo una gran popularidad.
Entre su multitud de conciertos por toda la geografía española cabe destacar conciertos memorables como el Esparrago-Rock (Granada, 1996), el Circulo de Bellas Artes (Madrid, 1996), El Grec con Juan Perro (Barcelona, 1996), el Festival de Teatre de Tàrrega (Tàrrega, 1997), el Doctor Music Festival (Escalarre, 1998), las Fiestas del Pilar con Albert Plá (Zaragoza, 1998), Actual (Logroño, 1998) o las Fallas en la Plaza de toros con Celtas Cortos (Valencia, 1999) entre otros.
“La Quartet de Baño Band” siempre con Daniel Higiénico al frente en la voz, guitarra y composición de los temas estaba formada además por Toni Pastor (guitarras, laúd y mandolina), Pep Estrada (bajo), Toby Taylor y Diego Ferral (baterías) y Hugo Socrate (percusión) como miembros fijos de la banda.
“La Quartet de Baño Band” también ha contado a lo largo de su etapa con excelentes músicos que han participado en diferentes momentos y en diferentes discos como Toni Vallespir (batería), Bernat Cabot (violín), Victor Uris (armónica), Toni Cruz (cajón), Tomas Merlo (contrabajo), Omar Niang (Djembe), Emili Gené (órgano) o Jacob Sureda (piano) entre otros.
“Daniel Higiénico y La Quartet de Baño Band” durante estos diez años graban seis discos y tras el primero “Doble Hoja” (1993) abandonan Polygram y fichan por la compañía AZ records con la que editan los siguientes cinco discos: «El poder de flipar» (1994) con Braulio Paz como productor ejecutivo, «Flipando en colores» (1996) producido por el propio Daniel y Toni Pastor, con Mateo Picornell como ingeniero de sonido y grabado y mezclado en los estudios Swing con Braulio Paz como productor ejecutivo, «Flipando el doble» (1998), «In Laif» (2000) su primer disco en directo y «Lágrimas de chimpancé» (2001) con Mateo Picornell y Toni Pastor como ingenieros de sonido, producido por Daniel Higiénico y Toni Pastor, grabado en los Estudios Ona Digital en Bunyola (Mallorca) y mezclado en los Estudios Swing de Palma De Mallorca.
Tras grabar el último disco con la banda y después de asistir a un «psico-cursillo» con el actor Leo Bassi, Daniel deja “Daniel Higiénico y La Quartet de Baño Band” y en 2001 abandona Palma de Mallorca trasladándose a Barcelona.
En ese momento Daniel siente que necesita trabajar más a fondo su evidente vena teatral y sin abandonar el vehículo de sus canciones pone en marcha su primer espectáculo en solitario «Mamá, quiero ser autista» que se estrena con gran éxito en octubre de 2001. Trabaja en este espectáculo durante dos años por muy diversas salas y teatros de pequeño aforo y en el año 2002 publica el disco “Mamá, quiero ser autista” con AZ records, un CD con veinticuatro temas a partir de la selección de los mejores momentos del espectáculo grabados en directo.
En el año 2002 monta su propio sello Producciones higiénicas con el que desde entonces autoedita sus propios trabajos y ya con su nuevo sello en 2002 edita el libro «Personajes y su hígado», compendio de cuentos escritos por él mismo y estrena su segundo espectáculo teatral «Mentiras podridas» en el año 2004 que presenta durante tres días en el Teatre del Mar de Palma de Mallorca agotando las localidades y realizando durante 2004 temporada en el Teatre Llantiol y en el Teatreneu de Barcelona con gran éxito.
En 2004, y tras cerca de tres años dedicado exclusivamente a su faceta teatral, Daniel Higiénico forma una nueva banda con músicos de Barcelona y vuelve a su carrera discográfica grabando el disco «El hombre del tiempo», con catorce canciones y producido por Jordi Mena (guitarrista de «Jarabe de Palo») que se incorpora al nuevo grupo y la colaboración especial de Lichis de «La Cabra Mecánica» en dos temas del disco.
En 2007 Daniel Higiénico publica “La Rebelión de los niños con problemas emocionales” un disco con quince temas bajo su propio sello y donde colaboran Lichis (La Cabra Mecánica), Jordi Mena (guitarra de Jarabe de Palo), Gambeat (bajista de Manu Chao), Toni Pastor (guitarrista de La Quartet de Baño Band), Yuri y los cosmonautas, Le Petit Ramón y la colaboración de más de treinta músicos que logran, sin duda, uno de sus mejores trabajos.
Como en sus grabaciones anteriores Daniel vuelve a desarrollar todo su potencial basado en su eclecticismo musical, unas letras afiladas que caminan entre lo real y lo absurdo, la ironía y el sarcasmo, dibujando esas situaciones cotidianas que se tornan kafkianas y en las cuales todos hemos caído sin querer alguna que otra vez. También hay cabida para la ternura, el humor y la fantasía, ingredientes todos ellos que Daniel Higiénico sabe mezclar con naturalidad contribuyendo a potenciar esa química especial entre el artista y su público.
Ese mismo año publica “Rarezas de Cojones” un disco con dieciocho temas de rarezas con grabaciones rescatadas de cintas de cassette, de conciertos en directo, descartes y algunos nuevos temas grabados de forma casera.
En el año 2010 Daniel Higiénico publica “6.000 millones”, un disco con doce temas muy distinto de los anteriores en donde su voz se recrea en un sinfín de registros musicales que caminan alrededor del blues, jazz, swing, dixieland, cabaret, sonido New Orleans, etc… abarcando todo el amplio abanico de estilos en los que pueden moverse las clásicas bandas de blues y jazz.
“6.000 millones” sorprende por su frescura, su forma de contar historias cotidianas y su crítica mordaz a nuestro entorno, esta vez a ritmo de “blues”. Producido por Miguel A. Hernando “Lichis” en su propio estudio de Felicidad Producciones en Terrassa (Barcelona), en la grabación colaboran músicos excepcionales como el guitarrista Julian Kanevsky (Def con dos, La cabra mecánica y Andrés Calamaro), el saxofonista David Carrasco (Muchachito Bombo Inferno) en los arreglos de metales o el propio Lichis al bajo.
En 2009 Daniel Higiénico estrena su nuevo espectáculo teatral “Palabra de Ornitorrinco”, un nuevo capítulo que completa su trilogía teatral que empezó con “Mama, Quiero ser Autista” en el año 2001 y continuó con “Mentiras Podridas” en el año 2004 y que han estado girando incansablemente todos estos años.
El polifacético Daniel Soler también destaca como escritor con “Personajes y su hígado” un libro de cuentos cortos que se editó por primera vez en octubre de 2002, “Club Columbia” (50 microthrillers)” un libro de microrelatos de género negro y “El Paseo Infinito” su primera novela. También ha tenido colaboraciones con el cine donde varias de sus canciones componen la banda sonora del cortometraje «Walkie Fucking Talkie» de Enrique Viciano, su tema «Tango un coche» del disco “Flipando el doble” aparece en el corto «Solo por un tango» de Toni Bestard y Adán Martín y su tema «Proverbios chinos» del disco “Flipando en colores” aparece en el corto de Toni Nievas «Pequeñas Mentiras».
Entre los años 2011 y 2017 Daniel Higiénico no publica ningún disco sin embargo durante estos seis años sigue ofreciendo conciertos con diversos formatos, escribe su primera novela “El Paseo Infinito”, escribe el libro de micro-relatos de género negro “Club Columbia” y estrena varios espectáculos teatrales, entre ellos un espectáculo de performance-cabaret basado en su último libro.
En el año 2017 tras una charla entre Daniel y su amigo y excelente teclista David Sam, éste le da la idea de montar una buena banda de blues y componer Daniel sus canciones sobre bases de clásicos del género, pero componiendo libremente sobre los diversos estilos y las infinitas formas de interpretarlo. De esta idea nacería “Daniel Higiénico Blues Experience” una banda formada por Daniel Higiénico (voz), David Sam (teclados), Roberto Olori (batería), Jordi Cobre (bajo) y Albert Arnau «Neirak” (guitarra eléctrica). Ese mismo año publica “Blues Experience” un disco con trece temas que como su nombre indica, es un disco de género desde la óptica de un cantautor, con sus letras, sus historias y su forma de cantar acompañadas de una gran banda de músicos con mucho “blues”.
Con este proyecto realizan una serie de conciertos espectáculo muy intensos donde, además de los nuevos temas, adaptan algunas canciones de los anteriores discos al blues y al rock&roll y también realizan algunos conciertos en formato dúo Daniel y David Sam juntos.
También ha colaborado con otros músicos como “el Sobrino del Diablo” que se podría considerar como su alma gemela y con el que ha actuado en numerosos conciertos y con el que ha hecho alguna gira conjunta, en discos colectivos como “Mariatchi Boogie” en 2008 con su tema “Ya no creo en la que digo”, con “El Jose” colaborando en el tema “No lo sé” de su disco de 2016 «En casa que no hay gobierno, a pellizcos se va el pan tierno» o con “Lichis” de La Cabra Mecánica entre otros muchos más.
Pese a que nunca ha alcanzado los primeros puestos de las listas de éxitos, Daniel se ha hecho con un hueco en el panorama musical español, con trece discos, tres libros y diversos espectáculos teatrales. Daniel ha conseguido ser un artista muy relevante, querido y seguido por un público fiel en toda la geografía española y prácticamente inclasificable sus temas destacan por sus letras ingeniosas, políticamente incorrectas e irreverentes y sus ritmos pegadizos, en muchas ocasiones acercándose más al teatro que a la canción.
En el año 2020 aparece “Esperando a Robin Hood” un disco con quince temas con DiscMedi Blau y actualmente Daniel Higiénico sigue actuando en bares, locales, salas, teatros, etc., con sus espectáculos en solitario, a dúo y con banda “¡Que vello es bibir!”, “Daniel Higiénico Blues Experience” o “Esperando a Robin Hood” su último trabajo.
GÉNERO: Canción de autor con varios estilos como rock, pop, blues, etc
CIUDAD DE ORIGEN: Barcelona.
DISCOGRAFÍA DE DANIEL HIGIÉNICO Y LA QUARTET DE BAÑO BAND:
“Doble hoja” (CD con once temas, Polygram, 1993)
“El poder de flipar” (CD con once temas, AZ records, 1994)
“Flipando en colores” (CD con quince temas, AZ records, 1996)
“Flipando el doble” (Doble CD con veinticinco temas, AZ records, 1998)
“In Laif! (Flipando en directo)” (CD con trece temas, AZ records, 1999)
“Lágrimas de chimpancé” (CD con dieciséis temas, AZ records, 2001)
DISCOGRAFÍA DE DANIEL HIGIENICO:
“Mamá, quiero ser autista” (CD con veinticuatro temas, AZ records, 2002)
“El hombre del tiempo” (CD con catorce temas, Producciones Higiénicas, 2004)
“La rebelión de los niños con problemas emocionales” (CD con quince temas, Producciones Higiénicas, 2007)
“Rarezas de cojones” (CD con dieciocho temas, Producciones Higiénicas, 2007)
“6000 Millones” (CD con doce temas, Producciones Higiénicas, 2009)
“Blues Experience” (CD con trece temas, Producciones Higiénicas, 2017)
“Esperando a Robin Hood” (CD con quince temas, DiscMedi Blau, 2020)
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
Daniel Higiénico y la Quartet de Baño Band interpretando su tema “A veces me pregunto si los peces duermen” en el concierto del 25 aniversario de la banda en el Teatre Principal de Palma de Mallorca el 15 de enero de 2016.
Daniel Higiénico interpretando su tema “La Leyenda urbana de Hermann Hesse” en directo en el estudio en noviembre de 2019.
Daniel Higiénico interpretando en directo su tema “El Bar de Moda” en el concierto en el Cotton Club de Bilbao en mayo de 2019.
Daniel Higiénico Blues Experience interpretando su tema “Flipando en colores” (versión blues) con David Sam a los teclados, Roberto Olori a la batería, Jordi Cobre al bajo y Albert Arnau «Neirak” a la guitarra en junio de 2017.
Daniel Higiénico y el Sobrino del Diablo interpretando juntos su tema “Puto Corazón” del disco “Flipando el doble” en el concierto en la sala Koitton Club de Barcelona el 06 de marzo de 2015.
Daniel Higiénico y la Quartet de Baño Band interpretando su tema “Flipando en colores” en el concierto del 25 aniversario de la banda en el Teatre Principal de Palma de Mallorca el 15 de enero de 2016.
En este apartado de «Músicos cantautores (Q-Z)”, podréis ver la biografia, miembros, discografía, fotos, enlaces y vídeos representativos de los siguientes músicos:
BIOGRAFÍA: Rafa Pons es un cantautor, compositor y músico nacido en Barcelona el 16 de mayo de 1978 que comenzó su carrera musical en el grupo “Mil Dudas” formado por su grupo de amigos pero que más tarde lo abandonó para dedicarse a su carrera en solitario.
En apenas unos pocos años Rafa Pons ha pasado de tocar en pequeños bares de Barcelona como el “Pastis” o “L’Astrolabi” a prácticamente llenar el Palau de la Música y siendo un músico asiduo al Festival BarnaSants y que ha actuado en salas como el “Apolo” o “Bikini” siempre con un gran éxito de crítica y público y a pesar de ello aún se le puede escuchar en pequeños pero emblemáticos locales como “L’Oncle Jack” o “La Fada Ignorant”. Rafa Pons es un luchador nato con un estilo muy personal y directo, con influencias tanto de la canción de autor como del rock y con unas letras de tinte urbano transitando de lo crápula a lo sentimental y de lo emocionante a lo divertido y es al mismo tiempo el claro ejemplo de que con talento y condiciones, la música de los bares puede llegar a los grandes escenarios.
En él destacan influencias de distintos ámbitos musicales pues en su juventud era fan de Bruce Springsteen y más tarde descubrió a otros artistas que van desde Joaquín Sabina o Quique González a Tahúres Zurdos o grupos de rock como Extremoduro y de esa combinación de estilos forma finalmente un estilo musical muy personal entre el rock y la canción de autor.
Al iniciar su carrera en solitario lanza sus dos primeras maquetas “Dime con quién andas” en el año 2002 y “Luna, alcohol y besos incluso” en el año 2003 dando conciertos en diversas salas de Barcelona. En esa época conoce al excelente músico Santi Noriega que a partir de entonces se convertirá en su mano derecha. Rafa Pons empieza a recorrer toda España participando en diferentes concursos de cantautores y tras varios segundos puestos en diversos festivales, gana el primer premio en el concurso de cantautores de Viladecans (Barcelona) y el premio a la mejor letra por su tema “Julia Roberts” y el especial del público en el festival de Elche (Alicante).
Tras su etapa participando en concursos de cantautores da un salto en su carrera y participa en el año 2005 con su tema “Julia Roberts” en la grabación del disco colectivo “Vengo a cantautar” de la productora barcelonesa “Les Nits de l’Art”, donde coincide con artistas de la talla de Quique González o Pancho Varona. “Vengo a cantautar” debe su nombre a una canción del cantautor Alejandro Martínez y es tomado por “Les Nits de l’Art” en el sentido más irónico posible, sin más pretensión “desenfadada” pero firme de reivindicar el oficio de hacer, componer, crear e interpretar canciones y el derecho a poder mostrar escénicamente ese trabajo.
Al año siguiente en 2006 graba un segundo disco colectivo titulado “Cantautar” en el que interpreta la canción “No m’importará pas gens” de Joan Baptista Humet. El disco “Cantautar” es un homenaje a la Nova Cançó catalana donde varios artistas habituales de la primera generación de «Les Nits de l’Art» rinden homenaje a los cantautores de la Nova Cançó catalana, versionando canciones de éstos. Este homenaje se caracteriza y diferencia de otros que se hayan podido hacer en que la mayoría de los artistas, son catalanes pero habituales en expresión en lengua castellana, hijos de inmigrantes de primera generación y residentes en su mayoría en el área metropolitana de Barcelona. Todos han crecido con estas canciones y las han adaptado a su terreno musical.
También en el año 2006 participa en el disco colectivo “L’astrolabi 10 años por la borda” un doble CD grabado en directo en el emblemático y ya desaparecido local de conciertos en vivo “L’Astrolabi” del barrio de Gràcia en Barcelona, que regentaba el extraordinario Miguel Barra «Mini», para conmemorar los diez años de conciertos. Rafa Pons participa con el tema “Rafita Perestroika” junto a otros músicos como Miguel Barra «Mini», Nelson Poblete, Drfargo Juli Efe Ge, Dani Flaco, Jordi Lligadas, Gabriel Maugeri, Depop, El Sobrino del Diablo, Inés Macpherson, Nando Caballero, Mr. Rodriguez, Jep Cardona, Jordi Sugranyes, Pepet i marieta, Drôle de Sire, Alfonso Mora, Alejandro Martínez, Meritxel Naranjo, Jordi Cantavella, Pedro Alférez, Nituniyo, John Ward, Juantón el Equilibrista, Byron, Paco en la luna, Methafora y Alaiki.
Y también en el año 2006 Rafa Pons graba su tercera maqueta “Filatélico” y el diario ADN utiliza su canción “Me tienes contento” para un spot televisivo. Después de la grabación de esta maqueta, diferentes discográficas se interesan por su trabajo y finalmente ficha por Batiendo Records, con la que graba en el año 2007 su primer disco “Mal te veo” con catorce temas y cuyo primer single es “Nieve en la ventana”.
En abril de 2007 comienza junto con su banda la gira de presentación del disco por diversas ciudades de España y en el mes de julio graban el videoclip de su segundo single “Hotel y domicilio” concluyendo la gira el 21 de diciembre del mismo año en la Sala Apolo de Barcelona. También en 2018 colabora en el disco «Libélula Incrédula» de Alfonso Mora en el tema «Vestido de Abril».
El 15 de enero del año 2009 Rafa Pons presenta junto a su banda en el Teatre Joventut de L’Hospitalet de Llobregat y con todas las localidades vendidas su segundo disco “Insisto” con quince temas y grabado con el Ventilador Music. El disco también es presentado en el concierto de inauguración del Festival Barnasants de 2009 y el 23 de enero en la sala Galileo Galilei en Madrid.
Durante todo el mes de abril de 2010 Rafa Pons y Marwan, cantautor de origen palestino, realizan una gira conjunta llamada “Cruzando el charco” por Argentina y Chile en donde ambos cantautores comparten escenario.
Desde 2009 hasta 2011 Rafa Pons al mismo tiempo que recorre toda la geografía española y diversos países fuera de nuestras fronteras dando multitud de conciertos presentando sus dos primeros discos, comienza también a colaborar con otros músicos interpretando algún tema en sus discos. Así, por ejemplo, colabora en el disco «Pesimoptimista» de Albert Sans en el tema “Escóndete cerca” (2010) y en el disco “7 Resacas viceversa” de Joan Berenguer en el tema “Por las calles de Madrid” (2010).
En el año 2011 Rafa Pons edita su tercer disco “Persona, Animal o Cosa” con catorce temas con La Produktiva Records y entre concierto y concierto sigue con las colaboraciones. Colabora en los discos “Siempre y cuando sobre todo” de Lucas Masciano con el tema” Pirata” de Lucas Masciano (2011), “Mujeres que entienden de aviones” de Proyecto Jass con el tema “Todo está bien” de Juan Antonio Sánchez Salas (2012), “2º Round” de Chivo Chivato con el tema “Decisión y coraje” de Pepo López (2013) y “Sálvese quien pueda” de Daniel Mata en el Callejón del Gato con el tema “Puntos negros” de Daniel Mata (2014).
En el año 2014 aparecen dos discos en directo de Rafa Pons. El primero “Rafa Pons con la banda” un EP con cinco temas grabado en vivo el 22 de febrero de 2013 en el Palau de la Música Catalana de Barcelona y el segundo “¿Queréis partido?” un CD con trece temas junto a Dani Flaco grabado en el Barnasants de 2014.
El 20 de enero de 2015 aparece el cuarto disco de Rafa Pons “Disimula” con catorce temas y editado por El Niño de la Hipoteca Records empezando en febrero del mismo año la gira de presentación con numerosos conciertos por toda la geografía española. Al mismo tiempo Rafa Pons colabora en los discos “Teoría del caos y de tu boca” de Rubén Mata en el tema “Rey de nada” (2015), “Estaciones” de Alejandro Ferre en el tema “Si no estás” (2015) y “Operación Guitarra” de El Niño de la Hipoteca en el tema ”Alma de cartón” (2016).
En el año 2017 aparece el quinto disco de Rafa Pons “Hambre de balón” un CD con dieciséis temas grabado en directo con El niño de la Hipoteca Records y donde participan y colaboran El Niño de la Hipoteca, El Kanka, Andrés Suárez, Luis Ramiro, Marwán y El Funambulista. Al mismo tiempo Rafa Pons aparece en 2017 colaborando en los discos “Duets Vol. 1” de Beni Cochambre en el tema “Va por ti” de Benito Inglada, “Amerizaje al cuadrado” de Diego Ojeda en el tema “Quiero escribir una canción” de Diego Ojeda y en “Concierto aniversario” de Zambayonny en el tema “La hija de la vecina” de Diego Adrián Perdomo. Este último disco que fue grabado en un concierto anterior en Argentina en la Sala Siranush donde Rafa Pons asiste como invitado al concierto por Zambayonny (Diego Adrián Perdomo) músico, cantautor y trovador argentino y cantan juntos el tema «La hija de la vecina» del nuevo disco «Hotel de Canciones» del argentino. Rafa Pons lo acompaña en este tema y luego canta su tema “Follon Kilombo” que pertenece a su disco “Disimula” y que cuenta las diferencias argentinas y españolas del lunfardo de cada país.
En el año 2018 aparece el sexto disco de Rafa Pons “La guerra del sexo” un CD con catorce temas grabado con El niño de la Hipoteca Records y donde colaboran en un tema cada uno Alba Carmona y La Pegatina.
Además de ser un gran músico Rafa Pons, desde el año 2018 hasta la actualidad, es presentador junto a Pau García Mila del exitoso programa de podcast EFEM («El futuro era mejor») escuchado en todo el mundo. Un podcast sobre lo viejo y lo moderno donde Rafa Pons y Pau García Mila debaten sobre muchos y variados temas preguntándose si eran mejores antes o ahora, con la tecnología y las nuevas formas de vivir. Otra faceta de Rafa Pons es la de escritor con la novela “Las Cabezas”, una historia de auto-ficción que nos transporta por el interior de las motivaciones de las personas y por las entrañas del mundo de la música y el libro de relatos “A cuento de nada”.
En los conciertos en acústico Rafa Pons suele tocar en solitario acompañado de su guitarra o en un formato de trío junto a Joan Berenguer (teclados) y Eloi López (batería) que son miembros habituales de su banda junto a Santi Noriega (guitarra) y Marcos Deker (guitarras y bajos). También han formado parte de la banda anteriormente los músicos Bernat Hernández (bajo), Xavi Reija (batería), Valentín Moya «Valen» (guitarra eléctrica) y Dusan Jevtovic (guitarra eléctrica solista).
En definitiva, Rafa Pons es uno de los mejores cantautores de la actualidad a nivel nacional con sus canciones que irradian magnetismo, con letras brillantes y estribillos contagiosos de un trovador que apuesta por cantarle al corazón con su juego eterno y laberíntico. Lo canalla convive con lo reflexivo y le saca gemas musicales a las relaciones cotidianas, de las que celebra victorias y derrotas.
En 2020 ha presentado su tema “El fin del rumbo” junto a Conchita que puede ser un adelanto de su séptimo disco y en 2021 posiblemente salga un disco junto al gran músico, cantautor y trovador argentino Zambayonny (Diego Adrián Perdomo). Al mismo tiempo Rafa Pons aparece en 2020 colaborando en los discos «Entre paréntesis» de Chicharro en el tema «Rumbo al estrellato» y «Artistas desde el sofá de casa» de Antílopez en el tema «»Prefiero».
MIEMBROS:
Rafa Pons (voz y guitarra acústica)
Santi Noriega (bajo, guitarra acústica y guitarra eléctrica)
Joan Berenguer (teclados y coros)
Eloi López Oltra (batería)
Marcos Deker (guitarras y bajos)
GÉNERO: Canción de autor y rock.
CIUDAD DE ORIGEN: Barcelona.
DISCOGRAFÍA PROPIA:
“Dime con quién andas” (maqueta, 2002).
“Luna, Alcohol y Besos incluso” (maqueta, 2003).
“Filatélico” (maqueta, 2005).
“Mal te veo» (CD con catorce temas, 2007, Batiendo Records).
“Insisto” (CD con quince temas, 2009, Ventilador Music).
“Persona, animal o cosa” (CD con catorce temas, 2011, La Produktiva Records).
“Rafa Pons con la banda” (EP con cinco temas, 2014)
“¿Queréis partido?” (CD con trece temas junto a Dani Flaco en el Barnasants, 2014)
“Disimula” (CD con catorce temas, 2015, El niño de la Hipoteca Records).
“Hambre de balón” (CD con dieciséis temas, 2017, Sony Music Entertainment)
“La guerra del sexo” (CD con catorce temas, 2018, El niño de la Hipoteca Records)
COLABORACIONES EN LOS DISCOS DE OTROS MÚSICOS:
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
Rafa Pons interpretando en directo su tema “Julia Roberts” junto con El Niño de la Hipoteca y El Kanka en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid (canción incluida en el disco «Hambre de balón»)
Rafa Pons interpretando su tema “Capullo Tonic” con la colaboración de Adrià y Romain de La Pegatina (videoclip de la sesión de grabación de la canción incluida en el disco «La guerra del sexo»)
Rafa Pons interpretando su tema “Los Reyes del Mundo”, canción incluida en el disco «La guerra del sexo» (video lyric con acordes de la canción realizado por M. Belén Magno para Evolve Software & Design Factory)
Rafa Pons interpretando su tema “Atento” canción incluida en el disco «La guerra del sexo» (videoclip oficial, 2018)
Rafa Pons interpretando en acústico su tema “Supongo”, canción incluida en el disco «Mal te veo» (video grabado para el programa Shake Tv)
Rafa Pons interpretando en acústico su tema “Olvídate de ti”, canción incluida en el disco «Hambre de balón» (Festival Strenes de Girona, 2013)
Rafa Pons interpretando su tema “Las Demás”, canción incluida en el disco «Disimula» (Video realizado por Simpatik Films durante la grabación del disco “Disimula” en La Casa Murada, 2015)
BIOGRAFÍA: Pepe Vacas de Torres es un cantautor y guitarrista nacido el 21 de octubre de 1978 en la localidad cordobesa de Rute aunque residente en Barcelona desde hace ya bastantes años. Este cantautor, que estudió ciencias políticas y sociología en la Universidad de Granada y que en la actualidad trabaja como ejecutivo de ventas en Canon España en Barcelona, no es músico de profesión aunque, sin embargo, desde pequeño siempre le ha acompañado su guitarra y no ha dejado de componer su música y sus letras.
De pequeño empieza a estudiar guitarra en su pueblo Rute con un vecino que tocaba y enseñaba canciones aunque duró poco tiempo y lo dejó aparcado, volviendo a retomar el contacto con la guitarra a los 16 años cuando empezó a llegarle y a escuchar la música de los cantautores más relevantes de esa época y aunque se identificaba con lo que ellos cantaban empezó a querer explicar sus cosas a su manera y de ahí nacieron las primeras canciones.
Las primeras actuaciones fueron en eventos y bares locales, después llegaron concursos provinciales y participaciones en certámenes andaluces de canción de autor llegando a formar parte de un grupo de pop llamado “Puerta Abierta” con el que editan una maqueta y con el que realizan algunos conciertos por la provincia.
En el año 2005 Pepe Vacas se traslada a Barcelona y empieza a tomar contacto con otros músicos de la ciudad, como el colectivo de cantautores de la “Nit de Trovadores” intentado al mismo tiempo mantener su formación musical en talleres de canción, de composición y de guitarra, como, por ejemplo, el taller de combo flamenco impartido por Isabel Laudenbach.
Durante los siguientes años Pepe Vacas va compaginando su trabajo con algunas actuaciones en pequeño formato y en acústico a voz y guitarra, participando en conciertos de diversos colectivos como la Nit de Trovadors o Rodautors y en algunos concursos como el III Concurs de cantautors de Ferreries en Tortosa y no es raro verlo actuar también en conciertos a dúo con otros cantautores como Vicente Calatayud, Mati Pando o Matías Costa entre otros.
Entre los meses de noviembre y diciembre de 2018 Pepe Vacas empieza a abordar un proyecto con el que siempre había soñado y que quizá, por diferentes motivos, nunca había sido capaz de hacer realidad y en el estudio de Jabalí Records del cantautor Matías Costa empieza a darle forma a lo que será su primer disco, un trabajo recopilatorio con todos esos temas que había ido componiendo a lo largo del tiempo.
Y así, a primeros de 2019 aparece “Tú, mime a mí…” un disco con diez canciones propias totalmente autoeditado y autofinanciado a través de un crowdfunding familiar y donde la mayoría de las canciones tienen un trasfondo personal inspirado en historias cotidianas de su vida que reflejan una parte de lo que él ha vivido, sentido y experimentado y alguna de ellas como “Más que Arena”, dedicada e inspirada en su hermana Macarena y en uno de los viajes que ésta hizo a Marruecos.
El título, tan singular, del disco proviene de una frase que su madre le decía cuando era pequeño pues era muy inquieto y siempre estaba haciendo travesuras, de ahí que su madre le decía: “Tú dime a mí lo que ha liado este …” y de esa frase surgiría el nombre del disco: “Tú, mime a mí…”.
En el disco han participado algunos amigos músicos como Matías Costa como productor musical encargándose de los arreglos y aportaciones musicales y respetando las canciones al máximo, Txus Costalago como pianista y arreglista de algunos temas del disco, Mati Pando poniendo la voz y coros en algún tema, Raquel Lúa a la voz y Miki García al bajo en el tema “Flores”, Joana Curto y Jordi Gallofré, voz y percusionista del grupo “Tirando Sillas” que dan un toque delicado y desenfadado a las canciones “Mar en calma” y “El ascensor” y Laia de las Heras del coro femenino “Vox Alba” con su voz en el tema “Clinc Clanc” que es un tema que hace referencia a la gente que vive en la calle y colaborando también en el tema “Mar en Calma”.
Este disco además nos ha mostrado la faceta más humana de Pepe Vacas que cargado de solidaridad y compromiso con los que más lo necesitan, decidió que él no quería sacar ningún beneficio económico con este disco y por eso los beneficios del mismo fueron para la Fundación Magone (acción social de los salesianos) fundación que trabaja con la infancia y con colectivos jóvenes más desfavorecidos.
Una vez finalizó la grabación del disco encargó hacer 300 copias que fue distribuyendo gratuitamente a familiares, amigos y gente interesada en su música y lo único que pedía en la contraportada del disco era que la gente, después de oírlo, le pusiera un valor económico e hiciera un ingreso en la cuenta de la Fundación Magone. Al respecto el propio Pepe Vacas comenta: ”La idea solidaria de si yo recibo, moralmente debo compartir, ha sido el cierre a un proyecto musicovital importante para mí y encontrar a la Fundació Magone y a las personas que trabajan dentro ha sido otro regalo”.
La música de Pepe Vacas es comunicativa, alegre, sencilla y fácil de entender intentando crear una interacción personal hablándonos de las cosas cotidianas y como el bien comenta: ”Es una música directa cuya pretensión inocente es hacerte pensar un poco en lo que te rodea, pero sin ser un tsunami. Me gusta la idea de una revolución tranquila de las pequeñas cosas con objetivos asequibles que no supongan una depresión si mañana tengo que empezar de nuevo otra vez”.
En julio de 2021 Pepe Vacas graba «Nunca supe que echar en una maleta» su segundo trabajo como cantautor que es un EP con seis temas (“Dicen”, “Amapolas de la estación”, ”En el confín”, “Soleá de la Teacher”, “En la frontera: somos” y “Libre pasajera”). El disco grabado y producido por Matías Costa en su estudio Jabalí Records ha sido compuesto, letra y música, por Pepe Vacas que a la voz y guitarra ha contado con la participación de Matías Costa (guitarras, bajo y coros), Santi Manresa (batería y percusiones) y Txus Costalago Pallàs (pianos).
GÉNERO: Canción de autor.
CIUDAD DE ORIGEN: Rute (Córdoba). CIUDAD ACTUAL: Barcelona
DISCOGRAFÍA:
«Tú, mime a mí» (CD autoeditado con diez temas, 2019)
«Nunca supe que echar en una maleta» (EP autoeditado con seis temas, 2021)
Carátula de Portada provisional
Podéis escuchar algunos de sus temas en los siguientes enlaces:
Pepe vacas interpretando en vivo su tema “El ascensor” en el taller del luthier Matias Costa con un guitalele modelo Cedar fabricado por Matias Costa especialmente para el cantante y compositor (Jabalí Records, julio de 2019)
Pepe vacas interpretando en vivo su tema “A costa de voz” en el taller del luthier Matias Costa con una guitarra modelo Isabel fabricada por Matias Costa especialmente para el cantante y compositor. (Jabalí Records, septiembre de 2019)
Pepe vacas presentando su disco e interpretando en vivo sus temas para el programa “El Sombrero de Wonderland” de Radio La Veu TV en octubre de 2019
Pepe vacas interpretando en vivo un tema dentro de la “Nit de Trovadores” en la Bodega Saltó de Barcelona el 19 de octubre del 2014
BIOGRAFÍA: MIA FUENTES es el nombre artístico de María Fuentes Àvila compositora y cantautora barcelonesa nacida el 1 de junio de 1991 y residente actualmente en Ulldecona (Tarragona). A los cinco años comienza a cantar en la Coral de los Ruiseñores del Montsià, que más adelante combina con estudios de solfeo y piano. A los 16 años María dirige a los grupos infantiles y forma su primer grupo de música llamado “Cuarto Menguante” con el que hacen versiones de pop-rock y también algún tema propio al mismo tiempo que empieza a formarse en su otra pasión que es el teatro.
En el año 2009 y con dieciocho años se va a Barcelona a estudiar filología inglesa donde seguirá compaginando sus estudios con la música pues al cabo de un tiempo entra a formar parte del grupo “Jesse James”, un sexteto de country y bluegrass de Parets del Vallès formado por María Fuentes (voz), Joan Farres (teclados), Crisant Palau Flaquer (batería), Alberto Rocha (guitarra), Miquel Fernández (guitarra) y Octavi (bajo). Con la banda realizan algunos conciertos donde ofrecen un buen directo y son acompañados por bastantes seguidores y es en esta época donde conocerá a José Caparrós, como ella lo describe «mi maestro musical y si es posible mejor persona» que posteriormente tendría una especial relevancia en su carrera musical.
Con “Jesse James” está un par de años hasta que se disuelven mientras María prosigue con sus estudios universitarios y empieza a estudiar teatro musical actuando en algunas obras teatrales al mismo tiempo que prosigue con la música con otra banda en la universidad en 2012.
En el año 2013 José Caparrós viendo la determinación de María para componer temas propios y pegadizos, le propone crear una banda llamada “La Dama Acompañada”, que después de varios intentos y diferentes contratiempos por fin debuta en noviembre de 2013. Es a partir de este momento cuando cambia el nombre artístico a “Mia Fuentes” y acompañada por el productor y guitarrista argentino Esteban Boero y la colaboración de José Caparrós decide seguir su propio camino individualmente con su característica voz, una mezcla inconfundible de garra y dulzura.
Durante todo el año 2015 se dedica a presentar por toda la geografía española y en conciertos acústicos acompañada a la guitarra por Esteban Boero los temas que compondrán su primer trabajo musical en solitario y en enero de 2016 aparece su primer trabajo “Enredadera” un disco con diez temas propios y hecho con mucha ilusión con un conjunto de vivencias que Mia nos relata con la dulzura y la garra que la caracteriza. Un disco con riquezas sonoras, que junto con el alma y la letra lo convierten en un disco talentoso, rico y creativo y a Mia Fuentes en una de las mejores artistas emergentes del pop fusión nacional.
El disco se graba en Barcelona (Bonobo Records) producido, mezclado y masterizado por Esteban Boero, con la colaboración técnica de Josep Caparrós, fotografía de Nektar Studio y Katerina Golden Film y diseño gráfico de Saray Martínez.
El estilo que lo define es el pop- fusión y la mayoría de letras son compuestas por Mia Fuentes aunque en algunas también han participado amigos y personas cercanas, como en el caso de “Querida Amiga”. En definitiva es trabajo compuesto por 10 temas propios, en los que habla de sentimientos como el amor, la esperanza, la nostalgia y los sueños aún por cumplir. Canciones como «Alto el fuego», «Curioso cuando», «Noches sin dormir», «Chavela» o «Algo de qué hablar», integran un variopinto repertorio de melodías en el que, más allá del pop puro, incursiona en otros géneros musicales como la cumbia o la milonga, con su inconfundible toque personal.
En palabras de la propia Mia Fuentes: “Enredadera nace de una necesidad imperiosa de expresar todo aquello que ocurre alrededor de mi gente y de mi vida, al ritmo del pop latino fusionado con ritmos caribeños”, “Las protagonistas de estas letras son siempre mujeres fuertes e independientes, que aceptan los reveses amorosos desde la madurez y lejos de cualquier dependencia afectiva”. “Creo que es algo característico de mis canciones y con lo que me gustaría que se me identificara”.
Tras unos meses de exitosa presentación de “Enredadera” por diferentes ciudades, el 29 de Agosto de 2016, el disco es presentado en el Teatre Municipal d’Ulldecona donde Mia Fuentes es acompañada por Violeta Paulina al violín, Esteban Boero a la guitarra, Maximiliano Molina a la batería y Jorge Carrasco al bajo.
En enero de 2017 Mia Fuentes, comprometida con las causas sociales, comienza el año presentando un videoclip colaborativo solidario, colaborando con una canción compuesta e interpretada por ella misma dedicada a las raíces folclóricas «La Vida en su total » para una iniciativa del concurso de cortometrajes BCN Shopping & Shooting, la cual busca recaudar donativos para los comedores sociales de Barcelona.
En abril de 2017 Mia Fuentes y Joan Blau unen sus talentos y componen conjuntamente el tema “La nova cançó de Sant Jordi” que al ritmo de una bossa-rumba cantan, desde la alegría y el buen rollo, al amor sin barreras por las calles de Barcelona. El tema cuenta con la colaboración de los músicos Yasmina Prats a la voz, Luis Robisco a la guitarra, José Robisco al bajo y Paquito Escudero a la batería siendo el video grabado por El domador de la llum.
A partir de abril junto a Joan Blau realiza una serie de conciertos conjuntos con sus temas en numerosos locales como el Craft, Makinavaja, Alfa Bar, La Ctretze, etc y entra en contacto, de la mano de Joan Blau, con el colectivo “Rodautors” conociendo y actuando a veces con otros grandes cantautores como, por ejemplo, Chicharro, Alba Miras o Esteban Faro entre otros.
En agosto de 2018 realiza una serie de conciertos en Ecuador acompañada por los músicos de “Rey Lagarto” una banda local finalizando la mini gira en el Museo de la Música de Loja, en la Feria de Loja, la más antigua de Ecuador y obteniendo bastante éxito y reconocimiento en todos los conciertos.
Salvo en el parón obligado por el Covid-19, actualmente Mia Fuentes sigue presentando sus canciones en conciertos donde suele estar acompañada por el guitarrista Rodri Cachorro miembro de “El Nido Música” en conciertos acústicos o por los hermanos Robisco y Paquito Escudero cuando lo hace con banda. Está ultimando la aparición de su segundo disco “Mujer del mañana” y en los primeros meses de 2020 presentó “A veces”, uno de los temas que lo integraran en una colaboración con el grupo “El Nido Música”.
También y en pleno confinamiento y de nuevo junto a Joan Blau presentan en el mes de abril de 2020, mediante un vídeo de confinamiento, una nueva versión de “La nova cançó de Sant Jordi” compuesta entre ambos y acompañados nuevamente por los músicos Luis Robisco a la guitarra, José Robisco al bajo y Paquito Escudero a la batería. El vídeo es realizado por Bamf producciones y el músico Edu Quindós.
GÉNERO: Canción de autor. Pop fusión.
CIUDAD DE ORIGEN: Barcelona. CIUDAD ACTUAL: Ulldecona (Tarragona).
DISCOGRAFÍA:
“Enredadera” (CD con diez temas, 2016)
“Mujer del mañana” (CD, con x temas, 2020). Pendiente de su publicación la carátula del disco y características.
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
Mia Fuentes interpretando su tema “A veces” junto al grupo “El Nido” (2020)
Mia Fuentes interpretando su tema “Dame tiempo” junto al guitarrista Luís Robisco (2018)
Mia Fuentes interpretando junto a Joan Blau el tema “La Nova Cançó de Sant Jordi” (2017)
Mia Fuentes interpretando su tema “Enredadera” (videoclip oficial, 2015)
Mia Fuentes interpretando el tema “Vestida de nit” de Castor Pérez y Gloria Cruz en la presentación de «Mis Canciones al Mundo» junto al guitarrista Esteban Boero (2016)
Mia Fuentes interpretando el tema “Noches sin dormir” junto al guitarrista Esteban Boero (vídeo de Josep Caparros, 2016)
En este apartado de «Músicos de grupos pop, rock y folk (A-F)” podréis ver la biografia, miembros, discografia, fotos, enlaces y un vídeo representativo de los siguientes músicos:
Blueroomes, Los Alérgicos, Angry Mama, Besos Robados, A Contra Blues, Finding Answers, Edu Quindós, El Nido, Carlos Saura,
BIOGRAFÍA: CARLOS SAURA es un excelente y experimentado músico, guitarrista y compositor barcelonés aunque criado en la ciudad de Málaga donde comienza a tocar la guitarra clásica a la edad de 10 años y a los 17 años consigue su primera guitarra eléctrica y comienza a tocar en diferentes bandas de rock de la ciudad de Málaga, entre ellas “Torak” que llega a conseguir un gran reconocimiento a nivel local.
Poco después empieza su formación musical cursando estudios en el Conservatorio Superior de Música de Málaga y estudiando armonía moderna y jazz con profesores particulares. En esta época también comienza a interesarse mucho por estilos musicales como el blues y el rock más clásico llegando a versionar temas de ambos estilos en diferentes formaciones como “Sting In Blue”, banda con la que realiza numerosas actuaciones locales.
Entre 1995 y 1996 puede cumplir uno de sus grandes sueños teniendo la suerte de poder ir a estudiar al Musicians Institute (G.I.T.) de Hollywood (Los Ángeles) una de las escuelas más prestigiosas de música del mundo asistiendo y recibiendo clases de prestigiosos guitarristas como Scott Henderson, Frank Gambale, Joe Diorio, Keitt Wyatt o Stive Trovato. Allí conoce y entabla amistad con uno de los grandes guitarristas de nuestro país, Francisco Simón actualmente miembro de la banda madrileña de blues “Red House”.
En 1996, una vez finalizados sus estudios en Los Ángeles, Carlos Saura se traslada a Barcelona, su ciudad natal y donde reside actualmente, para dedicarse plenamente a la música y empieza a realizar numerosos conciertos no solo en Barcelona y el resto de Catalunya sino por toda la península tocando con numerosas bandas y artistas de diversos estilos, principalmente de blues y rock, pero también de jazz, funk, pop y flamenco moderno entre otros, siendo una de sus primeras bandas “ZT Trío” una banda de blues.
En 2006 Carlos Saura presenta su primer trabajo en solitario “Un viaje a lo infinito”, una maqueta con cuatro temas que graba después de montarse su propio estudio y que desde la plataforma de música libre Jamendo consigue el record de descargas superando las trescientas mil. Tras el éxito recibido por su primer trabajo, en 2007 con los temas de la maqueta y cuatro temas más presenta su primer disco “Carlos Saura”. Algunas de sus composiciones han sido utilizadas para sonorizar un gran número de vídeos, trabajos multimedia, trabajos artísticos, videojuegos, anuncios e incluso en bandas sonoras de cortometrajes como “Baruserona” dirigido por José Luis Baxarias.
Desde el año 2007 colabora con el músico Aitor Belacortu conocido como “El Cantaitor” formando parte de su banda y realizando numerosos conciertos y colaborando en sus dos primeros discos «Insecticida» de 2007 y «Alquilan la luna pero prefiero compartir piso» de 2009 como guitarrista y en su tercer disco “La anatomía de lo sencillo” de 2012, donde Carlos Saura aparte de tocar la guitarra eléctrica, guitarra española y coros, también se encarga de la producción y los arreglos del disco. En este tercer disco intervienen junto a Carlos Saura, el propio Aitor Belacortu a la composición, voz y guitarra, Ernesto Arcos al bajo, José Almendros a la batería y Yolanda Fouad, voces en el tema “Ni tan mal” .
A mediados de 2010 colabora en el primer disco homónimo de “Roger Álvarez” , un EP de seis temas de mantras, una práctica milenaria oriental que consiste en repetir en voz alta o mentalmente, una determinada frase, con el fin de calmar la mente, y entrar en un estado de paz y bienestar. Roger Álvarez quería grabar una serie de mantras, pero cantados y después de ponerle melodía y acompañamiento de guitarra, contacta con Carlos Saura para plasmar esas composiciones en un álbum que aparte de grabarlas, las instrumenta y las arregla contando también con la colaboración de José Almendros a la batería y percusiones y Ernesto Arcos al bajo, ambos componentes y compañeros de Carlos en el “El Cantaitor”.
A finales de 2010 Carlos entra a formar parte de la “Rock & Ríos Band” una banda tributo a Miguel Ríos donde estará durante dos años como guitarrista principal. Todos los integrantes de la banda ya habían tocado en otras muchas agrupaciones musicales y con gran experiencia tenían ganas de montar un nuevo proyecto propio y serio que sonara a rock & roll y deciden que un tributo a uno de los más grandes rockeros del país, Miguel Ríos, es la mejor opción.
Con “Rock & Ríos Band” durante dos años realizan multitud de conciertos por toda la península formando parte de la banda junto a otros extraordinarios músicos como Carlos Lara, Iván Navales, Patxi Valtuille, Juanjo Tortosa o Luitxi Valtuille y bajo la dirección y el management de Danny Pujol, extraordinario batería de bandas como “The Bon Scott Band” o “Stage Dogs” o las actuales “Willy & The Poorboys” o “Swett Emotion”.
En 2012 Carlos Saura entra a formar parte de “Pi & The Privilege Band” la nueva banda de Pilar Morral más conocida como “Pi Privilege” artista multidisciplinar y vocalista y compositora de letras del emblemático grupo de los años 80 “Distrito 5” con tres discos grabados con la banda y telonera de Iggy Pop, B’ 52 y Rod Stewart en su gira por España en cinco ciudades.
La nueva banda “Pi & The Privilege Band” es una banda barcelonesa de rock y blues formada por componentes con un largo recorrido artístico venidos en su gran mayoría de la cuna del jazz tanto a nivel nacional como internacional y con un directo muy potente y un sonido que no deja indiferente.
La banda donde el soul, el rock, el blues y el jazz se fusionan para hacer un sonido propio queda formada por Pi Privilege a la voz, Carlos Saura a la guitarra eléctrica, Juanjo Tortosa a los teclados, Carles Domingo Triquell a la batería y Francisco Miñarro Morales al bajo.
En 2013 Iván Navales amigo y compañero de Carlos Saura en “Rock & Ríos Band” tiene la idea inicial de crear una banda tributo a “Los Hombres G” pero poco a poco se va convirtiendo en un tributo al pop rock español en general. Y así nace “Indiana y Los G” banda de tributo al pop rock español con un extenso repertorio de lo mejor del pop rock español y con bastantes temas de “Los Hombres G”.
Con este proyecto ofrecen dos tipos de actuaciones, uno en formato de dúo acústico, formado por Iván Navales a la voz y a la guitarra española y por Carlos Saura a la guitarra eléctrica y otro con la banda completa donde se suma al proyecto el batería Carles Domingo Triquell, pasando Iván Navales a la voz y al bajo y siguiendo Carlos con la guitarra eléctrica. En 2014 “Indiana y Los G” presentan “La Camarera” una maqueta con cuatro temas y durante todos estos años han estado actuando en innumerables locales de música en directo..
Actualmente, aparte de seguir componiendo, combina su faceta de profesor de guitarra, impartiendo seminarios y dando clases tanto a nivel particular como en centros musicales, con su actual proyecto musical que inició en diciembre de 2019 “Carlos Saura & The Virtual Band”, donde toca y canta temas de grandes artistas como Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan o Freddie King entre otros y con la idea de poder ofrecer el espectáculo él solo, sin tener que depender de otros músicos, ha creado en su estudio todos los acompañamientos de los temas, basados en batería, bajo y a veces teclado o arreglos de vientos, tratándolos de forma que se asemejen al sonido de una banda en directo. Además está trabajando en su segundo álbum personal.
En definitiva, Carlos Saura, se puede calificar como un excelente guitarrista de blues y rock, pero perfectamente capaz de adaptarse a cualquier otro estilo musical pues se puede considerar que es un músico de mente muy abierta, que no descarta la fusión con otros estilos sobre todo a la hora de componer, donde puede llegar a utilizar sonidos de cualquier tipo de instrumento. Para él, la composición es una forma de poder plasmar o evocar sentimientos, sensaciones y cosas que sólo se podrían expresar a través de la música, aunque sabiendo que es un modo de expresión totalmente subjetivo, y que finalmente el oyente va a vivir de forma única y personal.
GÉNERO: Rock y blues.
CIUDAD ACTUAL: Barcelona.
DISCOGRAFÍA DE CARLOS SAURA:
“Un viaje a lo infinito” (Maqueta con cuatro temas en solitario, 2006).
“Carlos Saura” (CD con ocho temas, 2007)
DISCOGRAFÍA DE COLABORACIONES DE CARLOS SAURA:
“Roger Alvarez” (EP de mantras con seis temas donde Carlos Saura colabora con la producción y la instrumentación, 2010)
“La anatomía de lo sencillo” (CD con diez temas de “El Cantaitor” donde Carlos Saura colabora como guitarrista, arreglista y productor, 2012)
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
«Carlos Saura & The Virtual Band» interpretando su particular versión del tema «Sweet Home Chicago» de Robret Johson en abril de 2020
«Carlos Saura & The Virtual Band» interpretando su particular versión del tema «All your love» de Otis Rush en octubre de 2018
«Carlos Saura & The Virtual Band» interpretando su particular versión del tema «Side Tracked» de Freddie King en octubre de 2018
«Carlos Saura & The Virtual Band» interpretando su particular versión del tema «Pride & Joy» de Stevie Ray Vaughan’s en noviembre de 2018
«Carlos Saura & The Virtual Band» interpretando su particular versión del tema «Purple Haze» de Jimi Hendrix en octubre de 2018
Carlos Saura con «Indiana y los G» en un vídeo recopilatorio de conciertos por los bares de 2014
Carlos Saura con «Rock & Ríos Band» interpretando en directo el tema de Miguel Rìos «Bienvenidos» en la sala Cabaret Berlín de Barcelona en julio de 2011
En este apartado de «Músicos y grupos tributo específico (covers)”, podréis ver la biografía, miembros, discografía, fotos, enlaces y un vídeo representativo de los siguientes músicos:
X-Tramp, Scarbeats, Joe and The Cockers, Los Doctores, The Beaties Band, Willy & The Poorboys, AG/ES, El pájaro loco, The Southern Harmony Band, Sweet Emotion, Aly Alma Music,
BIOGRAFÍA: ALY ALMA MUSIC es el proyecto musical de la cantante y escritora de poesía barcelonesa Alicia Losada que tras un gran bagaje musical a sus espaldas decide en 2017 presentar este proyecto musical que incluye tres formatos de diferentes estilos.
Alicia Losada que desde pequeña, su entorno familiar y más cercano, siempre la ha llamado Aly o Alyta se introduje en el mundo de la música gracias a la cultura Hip Hop y a la música negra, con la que crece durante su adolescencia y encaminando sus pasos hacia el baile, aprendiendo y bailando breakdance durante bastantes años.
Al mismo tiempo Aly a la que desde pequeña siempre le ha gustado leer y escribir poesía y ante la necesidad de expresar y transmitir sus pensamientos, termina utilizando su experiencia en escribir poesía para escribir rap y cantar sus propias composiciones. Es en esta época cuando empieza a hacer sus primeras maquetas de rap con toques “neo- soul” y cuando la expresión musical gana a su pasión por el baile y decide finalmente dedicar su tiempo a la música.
Aunque desde los 16 o 17 años empieza a escribir canciones y la música empieza a tomar un lugar muy importante en su vida, no toma la decisión definitiva de dedicarse seriamente a ello hasta los 23 o 24 años.
Ante la necesidad de escribir, componer y también cantar, además de rapear, empieza a formarse e inicia sus estudios de música en la EMMB (Escola de Música Moderna de Badalona) y empezando a hacer música como ella misma explica: “por necesidad, por superación, porque necesito expresarme, me gusta comprender y transmitir, jugar, crear, comunicar, emocionarme, crear conexiones emocionales….”.
Sus primeros pasos musicales tras sus estudios y sus primeros contactos con el rap los realiza actuando en diferentes orquestas y dúos y tríos de baile como el coro “Ritme&Veus” de la EMMB , “Alicia&Tito”, “La Privada” o “Fly Me”, en dúos acústicos de versiones y en su grupo de rap/neosoul llamado «Alyta», participando también en entidades culturales a nivel organizativo.
Desde 2004 y hasta 2012 Alyta publica cuatro discos autoeditados que son «Conflictos Internos» (2004), «Realidad Manufacturada» (2006), «Lo que mueve el mundo» (2009) y «Renacimiento» (2012) todos de su primera y anterior etapa con su banda de rap y neo/soul «Alyta», estilos musicales que aparcará a partir de 2012 para iniciar su nuevo proyecto con otros estilos musicales.
Desde el año 2012 hasta febrero del 2015 formar parte de “Back to Dingle” un trío homenaje y tributo a la cantante Amy Winehouse con Aly a la voz, Fran de Lucas a la guitarra y Guillermo La Plena al bajo.
Después de “Back to Dingle” a partir de 2015 forma parte de varios dúos de versiones acústicas a voz y guitarra primero con “Doble Joker” y posteriormente con “EntreCovers” hasta que ya decide empezar a formar su proyecto “Aly Alma Music” que presentará en 2017.
Tras todas estas experiencias musicales Aly decide emprender su propio proyecto musical para dedicarse profesionalmente a la música pero haciendo la música que le llena y le transmite y así nace “Aly Alma Music”, nombre que la propia Aly explica cómo surgió: “En el estado embrionario de este proyecto estaba trabajando conjuntamente con el guitarrista Carlos Almaral que al inicio de este proyecto me ayudó mucho a organizarlo y a empezar a darle forma. Cuando inicié la búsqueda del nombre para el proyecto me hizo ilusión que Carlos también participara y que fuera algo un poco más de los dos. … elegimos la opción de Aly Alma ya que representaba un poquito de cada uno. Aly es como me llama mi familia, amigos y entorno más cercano y Alma de su apellido “Almaral”. Me gustó la idea de que “Alma” fuera la traducción de “Soul” , uno de los géneros de raíces afroamericanas que engloba este proyecto, y además, significa también esa viveza, espíritu y energía que quiero que emane lo que hago. En definitiva me pareció un nombre con el simbolismo adecuado y que remarcaba muy bien el concepto de nuestros shows, la marca de lo que ofrecemos”.
Paralelamente a su faceta musical, Aly sigue escribiendo poesía que culminará con la publicación en abril del 2018 de su libro “21 Espejos”, su primer libro editado de poesía para conocerla también en su faceta de escritora. Ella misma lo define así en la presentación del libro: «Expresiones y dibujos líricos del camino que he ido recorriendo hasta ahora y que hoy decido compartir abiertamente. En este libro recojo 21 poemas escritos en diversas épocas de mi vida en las que, como en muchas ocasiones, las letras y la música me sirvieron de refugio, de escape y de espejo. Estas composiciones de letras reflejan mucho de lo vivido, de lo sentido, de lo comprendido, de lo compartido y me devuelven, cada vez que las leo, pequeños oasis de introspección, de contemplación, de deleite, de pasión, de aprendizaje…».
En el mes de febrero de 2017 comienza a presentarse el nuevo proyecto en la ciudad de Barcelona y buena parte de Catalunya, debutando con el tributo a Amy Winehouse en el “Wild Bunch” de Sarrià y siempre contando en cada momento y hasta la actualidad puntualmente con excelentes músicos como los baterías Albert Mallorca y Michel Solves, los guitarristas Carlos Amaral y Javier Vaquero, el bajista Thony Ibañez o el teclista Freddy Solves entre otros.
Han tocado en la mayoría de locales del circuito de música en directo de Barcelona y alrededores como, por ejemplo, el Hard Rock Café Barcelona, el The Philharmonic English and Jazz Pub, el Alfa en Viu, el Café RockandRoll, el Bululú Beach Club Mataró, el Chiringuitaly de Badalona, l’Arc Café Cultural de Mataró, Ddivine, 2Mons, Mextizo, Nota 79, lo Quiosc de Talarn, la Gran Bodega Saltó, la Sala Sinestesia , la Fira Tast Tiana, el Restaurant Moll Oest (El Masnou) o la sala Voilà! de Manresa y en otras provincias como la sala Blackbird de Madrid, el Punta Paloma de Tarragona o la sala Bóveda de Zaragoza entre otras.
“Aly Alma Music” es y ofrece una experiencia musical viva, orgánica y elegante que se inspira en las raíces de la música afroamericana. Este proyecto musical actual contiene tres shows distintos con tres repertorios distintos trabajados con una estética vintage que habitualmente representan en diferentes formatos de dúo, trío o cuarteto y que son:
– “Amy Winehouse Tribute”: Donde ofrecen uno de los primeros y más fieles tributos en Barcelona a la cantante y compositora británica Amy Winehouse, quien a pocos años de su muerte se ha convertido en un icono de la música contemporánea.
– “JazzDivas”: Donde ofrecen y reviven el ambiente del jazz-blues de club de los inicios de este género musical de raíces tan profundas. Un repaso antológico por los temas que popularizaron las grandes divas de la historia del jazz.
– “Soul&Rock”: Donde viajan en la máquina del tiempo para disfrutar de este show de ritmos variados que despega ofreciendo un paseo por los clásicos del soul para continuar en crescendo hasta llegar a la esencia del rock and roll y el rockaBilly.
Aparte de sus tres proyectos de “Aly Alma Music” en diciembre de 2019 Aly también entra a formar parte como vocalista de una banda local de Sant Vicenç de Castellet , localidad donde reside “The Big Mob”, una buena dosis de energía musical compuesta por grandes temas de funk, soul, rock y mucho más que compagina con sus tres proyectos personales.
DISCOGRAFÍA (toda con su anterior y primera etapa con su banda de rap y neo/soul «Alyta»):
«Conflictos Internos» (Maqueta, 2004) (de su anterior y primera etapa rap y neo/soul)
«Realidad Manufacturada» (CD con seis temas, 2006)(de su anterior y primera etapa rap y neo/soul)
«Lo que mueve el mundo» (CD, 2009)(de su anterior y primera etapa rap y neo/soul)
«Renacimiento» (CD con doce temas, 2012)(de su anterior y primera etapa rap y neo/soul)
GÉNERO: Música exclusivamente de Amy Winehouse (“Amy Winehouse Tribute”), jazz y blues (“JazzDivas”) y soul, rock and roll y rockaBilly (“Soul&Rock”).
CIUDAD DE ORIGEN: Barcelona. CIUDAD ACTUAL: Sant Vicenç de Castellet (Barcelona).
Podéis escuchar algunos de sus temas en los siguientes enlaces:
Aly interpretando el tema “Dreams in my heart” (2019)
Aly Alma Music en cuarteto en directo interpretando un par de temas de su show soul & rock en El Siglo Mercantic en octubre de 2019.
Aly Alma Music interpretando a dúo, voz y piano, el tema “Miss Celie´s Blues” de su show JazzDivas en 2018.
Aly Alma Music interpretando a dúo, voz y piano, el tema “I´m Walkin’” de Fats Domino de su show soul & rock en 2018.
Aly Alma Music interpretando a dúo, voz y guitarra, el tema “Back To Black” de Amy Winehouse de su show Amy Winehouse Tribute en el Pipa Club de Barcelona en 2018.
BIOGRAFÍA: MIGUEL ÁNGEL BUENO ARANDA es un cantautor barcelonés nacido en Montornès del Vallès (Barcelona) el 9 de agosto de 1982. Es un músico autodidacta y multidisciplinar pues aparte de acompañarse habitualmente con su guitarra, también toca la guitarra de doce cuerdas, el tres cubano, la armónica, la mandolina y el piano y, aunque la mayoría de sus conciertos son acústicos con guitarra y a veces piano, también lo podemos ver en conciertos con banda en un formato más eléctrico.
El proyecto musical de Miguel Ángel Bueno se inicia por la necesidad de escribir canciones y enseñarlas al público, el mismo lo explica así: “La verdad es que hasta ahora estaba componiendo por pura necesidad, cosa que me gusta porque creo que un músico debe saber hacer canciones, pero un creador de canciones debe necesitar hacerlas y creo que ese es mi caso”.
Con un buen número de canciones compuestas empieza a tocar y a hacer conciertos por el circuito de locales de música en directo de Barcelona y a relacionarse con los cantautores más relevantes del momento en la ciudad como los miembros del colectivo de los 9 gatos donde conocerá a algunos cantautores que posteriormente colaboraran con él en sus conciertos como Javi Jareño, Vicente Calatayud o Miguel Aranda entre otros.
En 2008 Miguel Ángel Bueno consigue el segundo premio del XXI Certamen de cantautores de Viladecans sólo superado por el rockautor barcelonés Albert Sans que gana el certamen.
Estos años y este premio le sirven para coger experiencia y mostrar sus innumerables composiciones en los conciertos, que el mismo explica así: “Ahora tengo algo de experiencia, pero es muy poca y sigo pensando que lo hace más divertido, peligroso pero divertido en todo caso. Mis impulsos sabrán llevarme hacia donde deba ir, de momento me han llevado a tocar por Barcelona teloneando a varios cantautores y grupos de la ciudad y pronto empezaré fuera en ciudades como Madrid”.
En 2009 un hecho fortuito en la vida de Miguel Ángel Bueno dará un impulso espectacular a su carrera y este es cuando Pancho Varona, músico y productor de Joaquín Sabina, visita su myspace, escucha sus temas y lo convence para grabar una primera maqueta con él y con reputados músicos como Jaime Asúa y José Antonio Romero, ambos músicos de Joaquín Sabina. Al mismo tiempo en 2009 gana el II Certamen de jóvenes cantautores de Esplugues y en 2010 gana el I Certamen de cantautores de Mataró.
El éxito de esta primera maqueta y los premios conseguidos en estos tres años en concursos de cantautores lo convierten en un habitual del circuito de cantautores barcelonés y le permite también actuar en otras ciudades como Madrid, Zaragoza, Salamanca, Murcia o Valladolid.
En 2010 y tras más de 120 conciertos por toda España Miguel Ángel Bueno presenta su primer trabajo “El hombre de hojalata”, un disco con diecisiete temas donde colaboran los músicos Mati Pando en el tema “Cumple promesas” y Litus en el tema “La mujer barbuda”. El disco incluye tres temas de su maqueta de 2009, “La mujer barbuda”, “Canción de amor para Hungría” y “Todas las heridas que dejé cerradas”.
Este disco de pop-rock con claras influencias del folk irlandés y americano y con algunas pinceladas de swing y jazz es grabado en Barcelona y producido por Joan Berenguer, Miguel Aranda y el mismo Miguel Ángel Bueno y cuenta con la colaboración de Pancho Varona, Jaime Asúa y José Antonio Romero (músicos de Joaquín Sabina).
El disco que es presentado en Madrid en el mes de abril conjuntamente con la presentación del disco de Litus “Si tiene que llover, que nieve” le permite recorrer los escenarios de casi todo el país y tiene la oportunidad de presentarlo como telonero de artistas como Antonio Vega, La Banda de Sabina (Pancho Varona, Antonio García de Diego, Jaime Asua, José Romero), Carlos Chaouen, Marwan, Andrés Suárez o Luis Ramiro.
En marzo de 2011 Miguel Ángel Bueno presenta “No se rinde el capitán” un EP compuesto por cinco canciones escritas tras el primer disco «El hombre de hojalata» en el que cuenta con la colaboración del músico Álvaro Laguna en el tema “Satélites” y que vuelve a incluir un tema de su primera maqueta “Sigue el ritmo”. El EP con Miguel Ángel Bueno a la voz y a las guitarras acústicas y eléctricas cuenta también con la participación de Mario Vélez a la batería y Joan Balta al bajo y es producido por el propio Miguel Ángel Bueno excepto el tema «Un bagul per nines» producido por Pau Romero y Miguel Ángel Bueno.
En 2012 Miguel Ángel Bueno presenta su tercer trabajo “Manual Para Astrónomos Aficionados” un disco con trece canciones originales y cinco temas grabados en vivo en la sala Luz de Gas. El disco es producido por Litus, músico que ya colaboró en el primer disco y que en esta ocasión toma las riendas de la producción para crear un disco fresco, dinámico, puro y lleno de buenas canciones.
El disco grabado en “Els estudis de la Pobla” en la Pobla de Montornès (Tarragona) muestra la variedad de las composiciones de Miguel Ángel Bueno y cuenta con la colaboración, en dos temas de los grabados en directo, de Jofre Bargadí en el tema “Un bagul per nines” y de Rocío Gómez en el tema “Septiembre no Espera”.
El disco es presentado el 7 de marzo en la sala barcelonesa Luz de Gas dentro del festival de Barnasants, contando con la colaboración de músicos de primer nivel como el batería Mario Vélez, el cantautor Javi Jareño a la guitarra eléctrica, Albert Daví o Litus además del propio Miguel Ángel Bueno en la voz, guitarras y los teclados.
En abril de 2020 en plena crisis del covid-19 Miguel Ángel Bueno presenta su cuarto trabajo “El invierno venció a los alemanes” un disco con trece temas producido por Miguel Aranda y grabado por Marc Ferrando en el que intervienen Miguel Ángel Bueno (voz, guitarra, teclados y piano), Miguel Aranda (guitarras y piano) y Marc Ferrando (teclados). El disco cuenta también con la colaboración de tres importantes voces femeninas Lidia Uve, Rocío Gómez y Mati Pando que colaboran en los temas «La Luna Fría», «De pie» e «Instrucciones para bailar un vals» respectivamente.
En definitiva Miguel Ángel Bueno, es un cantautor y músico que destaca por la cantidad y la calidad de sus composiciones y con una voz muy personal, un autor ilusionado con la posibilidad de compartir las canciones de su universo particular en el que la emoción en la interpretación sigue latiendo en sus canciones con un sonido directo, personal y potente.
El 31 de mayo de 2021 Miguel Angel Bueno presenta “El chico que miraba el infinito” su quinto disco en solitario con diez temas producido, grabado y tocado íntegramente por el mismo. Al respecto el propio Miguel Angel Bueno nos comenta: “Hacer éste disco ha sido un reto personal emocionante. El nuevo disco está complemente grabado en casa con un pequeño estudio, contiene 10 canciones y he tocado todos los instrumentos, desde la batería hasta el bajo, pasando por guitarras, mandolinas, y hasta bodhram y flauta irlandesa. Enfrentarme yo solo a hacerlo todo, sin dominar la mayoría de instrumentos pero cargado de ilusión por aprender y mejorar para demostrarme a mi mismo que soy capaz. Estoy deseando enseñar todas las canciones. En un principio, el disco solo estará disponible en formato digital”.
GÉNERO: Canción de autor.
CIUDAD DE ORIGEN: Montornes del Valles (Barcelona).
DISCOGRAFÍA:
“El hombre de hojalata” (CD con diecisiete temas, 2010)
“No se rinde el capitán” (EP con cinco temas, 2011)
“Manual Para Astrónomos Aficionados” (CD con trece temas más cinco en directo, 2012)
“El invierno venció a los alemanes” (CD con trece temas, 2020)
“El chico que miraba el infinito” (CD con diez temas, 2021)
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
Miguel Ángel Bueno interpretando su tema «Duerme» junto a Rocío Gómez y con Javi Jareño a la guitarra en el Café de les Delicies de Barcelona en agosto del 2013.
Miguel Ángel Bueno interpretando su tema “Cuando llegue septiembre” junto a Rocío Gómez (2016)
Miguel Ángel Bueno interpretando su tema “Todas las estrellas” junto a Rocío Gómez (2016)
Miguel Ángel Bueno interpretando su tema “Enfermo” junto a Raul Rojas en la sala Privat de Mataró en junio de 2009
Miguel Ángel Bueno interpretando su tema “La mujer barbuda” (Videoclip oficial junto a Litus, 2010).
Miguel Ángel Bueno interpretando su tema «Sentada en la luna” en el concierto de presentación de “Manual Para Astrónomos Aficionados” en la sala Luz de Gas de Barcelona (2012).
BIOGRAFÍA: MATEÓLIKA es el alter ego del músico y cantautor barcelonés David Mateos. Un músico nacido un 30 de abril de hace ya algunos años y un cantautor de extrarradio que se transforma en un auténtico showman en el escenario recorriendo el mundo con su guitarra y denunciando injusticias a gritos de rabia y libertad con un indudable compromiso social y reivindicativo.
En el año 2001 Mateólika inicia su carrera artística en el barrio barcelonés de la Trinitat Nova, formando “Stoy Ke Trino” una banda de rumba, ska, punk y reggae que durará nueve años y marcada por sus continuos cambios musicales y de formación. Por la banda han ido pasando diversos músicos como Mateo Mateólika, Gabriel Mateos, Jaume Fite, Teix Rivera «Teixshinan» , Nacho, Fernando Bernárdez o Xavi Walker entre otros.
“Stoy Ke Trino” es una banda que ha ido creciendo con los años, desde actuar en multitud de escenarios de la ciudad de Barcelona a recorrer casi todo el estado y hasta llegar a traspasar fronteras recorriendo un buen número de países durante tres giras europeas, entre ellos, Francia, Italia, Holanda, Alemania, Suiza, Austria, República Checa, Dinamarca, Eslovenia o Hungría. Con un potente directo y una particular puesta en escena, la banda consigue un sonido característico que no deja indiferente a nadie con sus ritmos a base de ska, reggae, rock y rumba callejera para hacer bailar y disfrutar al mismo tiempo que con sus letras reivindicativas y socialmente comprometidas para concienciar y hacer pensar.
A mediados del año 2006 la formación se consolida y publica su primer trabajo “El Soñador” un disco con catorce temas y su publicación junto a sus cinco años de conciertos le permite empezar a compartir cartel con grupos importantes de la talla de “Muchachito Bombo Infierno”, “Sublevados”, “Daniel Higiénico”, “Sagarroi”, “Lendakaris Muertos”, “Jolly andTthe Flytraps” o los mismísimos “Barón Rojo”.
En el año 2009 aparece el segundo trabajo de la banda “Señor Guindilla” un disco con doce temas de rumba y ska grabado, mezclado y masterizado en el Kasal de Joves de Roquetes y donde interviene una de las últimas formaciones de la banda, Mateólika a la guitarra acústica y voz, Jaume Fite al bajo y coros, Gabriel Mateos a la batería, Xavier López a la guitarra eléctrica y Teix Rivera «Teixshinan» al saxo y coros.
Tras nueve años de conciertos y giras “Stoy Ke Trino” se disuelven en 2010 y lo hacen a lo grande con la publicación del DVD “Mala Imagen” en riguroso directo en su ciudad natal y que es un documento sonoro y visual que nos muestra el trabajo realizado durante nueve años por todos sus integrantes.
El proyecto en solitario Mateólika nace en 2007 y nace con la idea clara de desgarrar voz y guitarra e interpretar nuevas composiciones de una manera más libre, satírica, crítica y teatral.
A pesar de ir alternando y combinando hasta 2010 sus conciertos en solitario con los de la banda “Stoy Ke Trino” Mateo Mateólika ya tiene claro que quiere centrarse y propulsar su faceta más personal e íntima que él mismo define como “punkautor” , es decir, como cantautor punk y mostrar sus composiciones como músico, autor, cantante y showman en los escenarios de una manera muy personal y particular con un directo sorprendente lleno de energía y vitalidad explosiva.
Su estilo mezclando rumba con punk, protesta con humor y rabia con melancolía y sus letras reivindicativas y muy implicadas socialmente no deja a nadie indiferente en sus conciertos y de nuevo se verá abocado a visitar los escenarios de medio mundo llegando a disfrutar de las calles, ateneos, teatros y festivales de Francia, Italia, Holanda, Alemania, Suiza, República Checa, Dinamarca, México y como no, de toda la península.
En septiembre de 2012 presenta su primer trabajo como Mateólika, «La matanza de la rumba» un disco con trece temas grabado en los estudios «El Arbusto» por Paco Cuadro quién también se encargó de la mezcla y la producción del mismo. En este disco Mateólika, después de estar cinco años sin parar, decide registrar de manera básica y sencilla a guitarra y voz todas las canciones que había compuesto desde 2007 y venía tocando en cada uno de sus conciertos.
Son trece temas con diferentes estilos que van desde la rumba al punk o del ska a la canción de autor y con letras llenas de rabia, de frescura y de reivindicación tratadas por Mateólika con una especial ironía y sarcasmo rebelde y burlón. El disco empieza a sonar en los principales medios alternativos de la ciudad y pronto traspasa fronteras llegando a Europa, México y Los Ángeles y haciendo conciertos por toda la península y en diversos países como Francia, Dinamarca o México entre otros muchos.
En el año 2013 Mateólika con la idea de dar formato eléctrico a las canciones de su anterior trabajo y para dar mayor sonoridad y potencia a sus actuaciones forma “Mateolika y los EME de Mear” que nace a raíz de un concierto eléctrico en el Casal de Joves de Prosperitat de Barcelona. A consecuencia de la buena acogida por parte del público en este primer concierto Mateólika decide continuar con la banda formada por el propio Mateólika a la guitarra y voz, Fran Martínez al bajo y coros, Iván Torres a la guitarra eléctrica y coros y Albert Marín a la batería y coros y seguir con ella en los conciertos que van surgiendo en ateneos, centros sociales y diferentes colectivos de la escena alternativa de la Ciudad Condal. La banda con un show potente y diferente va creciendo en sus directos y también en el número de conciertos y seguidores.
Entre enero y febrero de 2014 aparece el segundo trabajo de Mateólika y primero y único con la nueva banda titulado «8 canciones que no le gustan ni a mi madre» que es editado en los estudios Rockstudi del kasal de Joves de Roquetes y producido, grabado y mezclado por Fran Martínez y Dani Ramos. Un disco breve con ocho temas a base de rumba, punk, ska y ritmos latinos aderezados con las letras satíricas y reivindicativas del anterior disco que dan un resultado tremendo.
El éxito de la banda y el disco y la expectación y la curiosidad del público los lleva en cuestión de meses a visitar Perpiñán y a ser invitados a tocar en Copenhague y durante ese año, a hacer una extensa gira, bajo el nombre de «Hasta la madre 2014», por toda la península además de recorrer algunas ciudades de Suiza, Alemania, Holanda, República Checa y Francia.
El 25 de diciembre de 2016 “Mateólika y los EME de Mear” se separan y ponen punto y final a esta etapa con un concierto de despedida de la banda en el Kasal de joves de Roquetes.
En 2016 aparece su tercer trabajo como Mateólika “No apto para cabezas huecas”, un disco con doce temas grabado en los estudios Shasta Daisy Produccions por Álex Nevado durante los meses de diciembre del 2015 y enero del 2016.
Este disco es determinante en la carrera del Mateólika, ya que en él, junto a la esencia de la canción de autor en su visión más melódica y también política, hacen aparición nuevos estilos musicales como el folk o la cumbia y se introduce la performance como modo de expresión, recuperando la esencia de los primeros años cuando las acciones y las locuras estaban tan presentes en sus conciertos.
Esta introducción de nuevos ritmos se produce gracias a la colaboración de grandes compañeros de la escena Barcelonesa como “El Sobrino del Diablo”, “Pogo Sobe Mi Madre”, “Anarkopibas” o “Ivalva” siendo un disco que dará paso a la versión más teatral y excéntrica de un show que se alargará durante dos años realizando un total de 158 presentaciones en vivo por media Europa, México y Los Ángeles.
En 2018 aparece el cuarto trabajo del proyecto Mateólika “La Revolución es una bonita palabra” un disco con doce temas lleno de letras combativas y un estilo más punk rock que sus antecesores. Un disco lleno de alegría y en formato trío, donde vuelve a contar con sus antiguos compañeros de “Stoy Ke Trino”, su hermano Gaby Mateos a la batería y Jaume Fite (“Morosito” y “Piratas Rumbversions “) al bajo y contando además con la colaboración en algunos conciertos de la saxofonista Lola Stouthamer Pérez “Lola Lolaila”.
Actualmente Mateo Mateólika sigue centrado en la presentación de todos sus temas en multitud de conciertos tanto sólo como en otros formatos y donde la performance, el teatro y la improvisación siguen siendo sus señas de identidad y con una proyección internacional e incesante y con las miras puestas de nuevo en Europa y Japón, Mateólika sigue creciendo como artista y llegando a todas aquellas personas que deseen ver, oír y gritar.
MIEMBROS:
– Mateo (Mateólika) (guitarra y voz)
– Gabriel Mateos (batería)
– Jaume Fité (bajo)
– En algunos conciertos también colabora Lola Stouthamer (saxo)
GÉNERO: Canción de autor reivindicativa.
CIUDAD DE ORIGEN: Barcelona.
DISCOGRAFÍA:
“El Soñador” (CD con catorce temas, 2006)
“Señor Guindilla” (CD con doce temas, 2009)
“La Matanza de la Rumba” (CD con trece temas, 2012)
“8 Canciones que no le gustan ni a mi madre” (CD con ocho temas, 2014)
“No apto para cabezas huecas” (CD con doce temas, 2016)
“La Revolución es una bonita palabra” (CD con doce temas, 2018)
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
“Mateolika Trio” interpretando su tema «La otra bicicleta» Grabado, mezclado y editado por Guillem Pacheco en Shasta Daisy Produccions.
“Mateolika Trio” interpretando su tema «Mano a mano» . Grabado, mezclado y editado por Endika Páez. Concierto en el Ateneo Popular de 9Barris (2018).
“Mateolika Trio” en directo interpretando su tema «Te Voy a Arrancar El Alma» en la Sala Razzmatazz2 el 25/11/ 2016. Grabado, mezclado y editado por Shasta Daisy Produccions.
“Mateolika y los Eme de Mear” en directo en el Kasal de Joves de Roquetes en 2014.
“Mateólika y los Eme de Mear” en directo interpretando sus temas “Tópicos” y “La gente grita” en el concierto final del «Tour Hasta la Madre 2014» en la Sala Salamandra de Hospitalet de Llobregat el 26/12/14.
BIOGRAFÍA: El Nido es una excelente banda folk, aunque también se expresan en otros estilos como el pop que nace, como tal, en Barcelona en el año 2018 formada por cuatro «viejos» amigos que se reencuentran en la Ciudad Condal para retomar de nuevo un proyecto musical anteriormente compartido. La banda la forman cuatro músicos multiinstrumentistas que son el burgalés Álvaro Herreros (violín, whistles, pandereta y voz), el navarro Eneko Lekumberri (batería, percusión, darbuka y pandero cuadrado de Peñaparda), el vallisoletano Nacho Prada (mandolina, bouzouki, cucharas, pandero cuadrado de Peñaparda y voz) y el también burgalés Rodrigo Cachorro Antón (guitarra, bajo, vieiras y voz).
Este reencuentro en Barcelona en 2018 se produce después de cinco años de haberse conocido al estudiar los cuatro en la Universidad de Salamanca y empezar a tocar juntos y disfrutar de la música compartida desde el año 2013 bajo el nombre de «Sniffles».
Tras acabar sus estudios en la Universidad de Salamanca «Sniffles» se deshace y los cuatro músicos siguen con sus proyectos musicales. Álvaro Herreros con su proyecto individual como multiinstrumentista experimental soul, blues y folk con influencias étnicas “Athal-bera”, Eneko Lekumberri con el trío rock, country, blues y folk “UNO” y con el dúo country, folk y rock ” The Rastrojo Brothers” junto a su hermano Peio a la guitarra, Nacho Prada como vocalista y guitarrista de la banda de rock “La Noche de la Iguana” y Rodri Cachorro como guitarrista de la “Manel Fuentes & the Spring’s Team” (Tributo a Bruce Springsteen) y como guitarrista de la cantautora “Mia fuentes”.
Después de estos proyectos, con los que se han grabado algunos discos y que algunos aún siguen, los cuatro músicos se reencuentran en 2018 en Barcelona y deciden retomar de nuevo la vieja banda «Sniffles» pero ahora bajo el nombre de “El Nido” que es su actual proyecto y para ello se quedan a residir en Barcelona salvo Nacho, que ha vuelto a su Valladolid natal aunque el proyecto continúa.
A finales del año 2018 graban en Barcelona una maqueta con seis temas para ir presentando sus temas en los conciertos y como preámbulo de lo que será su primer disco.
En noviembre de 2019 la banda entra en el estudio para grabar su primer trabajo “Huella y Camino” un álbum con ocho temas grabado en Cascabel Estudios con la producción de Gustavo Fernando Llorente y Nuria Ramos y la masterización de Ferran Conangla Mayor (Estudio FCM). Ana Cronismo es la autora del diseño del disco.
“Huella y camino” recoge los temas que han ido componiendo desde sus años universitarios (Vendaval, Carreteras, El castañero, Trastiempo, Empatizar, Caminantes, Renacer y Lejos) ocho canciones originales y grabadas totalmente en directo que son historias que como ellos dicen: “Marcadas por la ‘obligación’ de salir de casa en busca de un futuro y la necesidad de regresar a la sencillez de encontrar un hueco de respiro y calma en un mundo cada vez más sobre estimulado, de pararnos y volver a las raíces, a nuestros espacios de paz y calma, nuestros refugios”.
Es su primer trabajo y donde empiezan a intentar conformar su propio sonido que ellos mismos lo definen así: “Nuestras canciones vienen teñidas del folk que hemos absorbido durante nuestra vida y nuestra evolución musical, muy especialmente el de nuestra tierra. Detrás de “El Nido” podrás escuchar tanto diferentes tradiciones folclóricas, desde en las que nos hemos criado hasta otras que hemos ido buscando y encontrando. Esto ha ido siempre entrelazado con las músicas que nos han marcado a lo largo de nuestra vida; desde el rock a la canción de autor, el jazz… para dar un resultado muy propio en nuestras canciones”.
Su directo viene cargado con mucha fuerza y es un continuo desfilar de instrumentos como mandolinas, guitarras, flautas, panderetas, panderos cuadrados, darbukas, bouzoukis, vieiras o cucharas para mostrarnos con un especial y delicado virtuosismo la música de sus raíces en un camino lleno de recursos tímbricos, métricos y de imaginario que les va incrementando la creatividad, a la vez que tiñe su música del inconfundible olor a casa.
En 2020, y después de innumerables conciertos por numerosas poblaciones de la península durante todo el año 2019 y primeros meses del 2020, la banda presentará, cuando las circunstancias lo permitan, su disco al que seguirá una gran gira de presentación por ciudades como Bilbao, Valencia, Logroño, etc. y por bastantes pueblos, sobre todo por su tierra haciendo también cuatro presentaciones grandes del álbum en Madrid, Barcelona, Valladolid y Burgos, en formato quinteto con contrabajo y en pequeñas salas y teatros. En abril de 2020 «El Nido» graba junto a la cantautora «Mia Fuentes» el tema «A veces».Sin duda alguna “El Nido” es una interesante propuesta a seguir y una gran banda que se enmarca en la corriente de nuevos grupos de folk que beben de la tradición pero que la dan una vuelta para sonar a ellos mismos.
MIEMBROS:
– Álvaro Herreros Piorno (violín, whistles, pandereta y voz)
– Eneko Lekumberri (batería, percusión, darbuka y pandero cuadrado de Peñaparda)
– Nacho Prada (mandolina, bouzouki, guitarra, cucharas, pandero cuadrado de Peñaparda y voz)
– Rodri Cachorro (guitarra, bajo, vieiras y voz)
GÉNERO: Folk y pop.
CIUDAD DE ORIGEN: Burgos, Valladolid y Navarra. CIUDAD ACTUAL: Barcelona.
DISCOGRAFÍA:
«El Nido» (Maqueta con seis temas, 2018)
«Huella y camino» (CD con ocho temas, 2020)
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
“El Nido” interpretando su tema “Vendaval” con la colaboración de Fauna Ibérica a la percusión tradicional, Carlos Soto a la flauta en Sol y Sandra Ruibal al contrabajo. Dirigido por Dani Jaén y Eneko Lecumberri y grabado y montado por Dani Jaén (videoclip oficial, 2020)
“El Nido” interpretando su tema “Huella” Producción, grabación e imagen de Coleccionistas de Momentos y mezcla y mástering de Vic Van (videoclip oficial, 2020)
“El Nido” interpretando junto a Mia Fuentes el tema de ésta “A veces” grabación y edición de audio y vídeo por Ballabús Studio y la colaboración de Xandris Brothers S.L.
“El Nido” interpretando su tema “Renacer” en Sesiones en Lakarraena en 2019
“El Nido” interpretando su tema “El Castañero” grabado en el Auditori de Can Batlló, en Enero de 2019
“El Nido” interpretando su tema “Trastiempo” grabado en el estudio de Chimenea Sessions en Burgos en Diciembre de 2017
BIOGRAFÍA: PIERRE ARNAUD BOURHIS es un cantante y guitarrista de swing, jazz y “chanson française” originario de la ciudad de Brest en la Bretaña, en el noroeste de Francia, aunque residente desde hace ya muchos años en Barcelona.
Pierre Arnaud es un músico polivalente, cantante carismático al timbre ronco y el vibrato discreto que interpreta los temas con emoción y sensibilidad y con una amplia experiencia en la escena del jazz manouche en Barcelona, proponiendo un repertorio ecléctico interpretando con personalidad los más grandes clásicos de jazz, swing, blues, folk y canción francesa.
Figura habitual de la escena barcelonesa, lleva más de diez años actuando en café-conciertos, pubs, escenarios y festivales en solitario y/o con el trompetista “Nicolas Rugolino”, a dúo con la cantante parisina Manon Lemesle, con el trío de canciones en francés «Les Enfants Terribles», con el cuarteto de swing «Pierre-Arnaud Quartet» o con el quinteto de jazz «Acoustic Guiri» actuando regularmente entre la Bretaña de sus raíces y su Cataluña adoptada. (De todos estos proyectos hay una breve reseña al final de la ficha)
El proyecto en solitario de Pierre Arnaud nace oficialmente en 2015, aunque llevaba gestándose unos cuantos años por no decir toda la vida pues, siendo guitarrista y cantante desde los doce años, su evolución musical y su camino personal tarde o temprano le iba a llevar a los escenarios en solitario como interprete.
Su ambición en este proyecto en solitario con guitarra, voz y loop, es recrear un ambiente ecléctico que nos lleve desde el jazz de los años 20 al folk rock de los años 70, pasando por clásicos de la música popular francesa. Aficionado y fan incondicional del guitarrista “Django Reinhardt”, Pierre Arnaud presenta un repertorio ecléctico con una meticulosa selección musical interpretada con un sello muy personal.
Lleva a su terreno una gran diversidad de estilos musicales fusionando y ofreciendo una selección inusual interpretada con un toque de lo más personal que incluyen temas de Frank Sinatra, Johnny Cash, Edith Piaf, Chuck Berry, Paco Ibañez, Django Reinhardt, Louis Armstrong, Duke Ellington, Wes Montgomery, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Nina Simone, Georges Brassens o Sanseverino entre otros muchos más.
En diciembre de 2017 aparece su primer trabajo en solitario “Runnin’ Wild” un disco con diez temas que es el resultado bruto de la necesidad de desarrollar una propuesta musical en solitario, con un repertorio variado y entretenido. El disco que fue grabado en su casa, se sacó con fines más promocionales que de publicación de un álbum en sí.
En diciembre de 2017 aparece su segundo trabajo en solitario “Pierre-Arnaud & Los Mercenarios de la Barbacoa” un disco “especial” con diez temas pues para su grabación contó con la colaboración de grandes músicos y amigos, músicos de jazz y jazz gitanos habituales ubicados en Barcelona que conforman lo mejorcito del panorama musical de la Ciudad Condal. El objetivo de esta propuesta ha sido principalmente el de orquestar un repertorio ecléctico, reflejando la diversidad musical que presenta habitualmente en solitario, pero con otro enfoque, con una perspectiva más amplia y completa.
Tras grabar también dos discos “Sextet Project” en 2014 y “Runnin’ Wild” en 2018 con “Acoustic Guiri”, Pierre Arnaud sigue ofreciendo conciertos, en los diferentes formatos de los que forma parte, en el circuito de locales de música en directo siendo todo un referente y uno de los músicos más respetados en la actualidad.
A primeros de mayo de 2020 y en pleno confinamiento por el covid-19, Pierre Arnaud publica su tercer trabajo en solitario «Tel Qu’il Est» con once temas todos en francés donde nos propone una selección de algunas de las canciones francesas que más le gustaron a lo largo de su camino como músico.
A finales de diciembre de 2021, Pierre Arnaud Bourhis tras superar con éxito una campaña de crowdfunding publica su cuarto trabajo en solitario «Que le diable l’emporte», un disco con trece temas todos en francés donde nos propone por primera vez un trabajo recopilatorio de composiciones propias y donde Pierre es autor de la letra y música de todos los temas.
El disco con bellísimas fotografías de Hélène Desplechin cuenta con la colaboración de diferentes músicos y amigos de Pierre que comparten algunos de sus diferentes proyectos musicales como Juan Carlos Buchan Ayala al contrabajo, Arnau Julià a la batería, Neter Calafati a la guitarra, Nicolas Rugolino a la trompeta, Manonchka (Lemesle Manon) en los coros, Dani Pucha al violín y Malena Cousinet Anz al saxo.
GÉNERO: Chanson française, jazz y swing.
CIUDAD DE ORIGEN: Brest (Francia). CIUDAD DE ACTUAL: Barcelona.
DISCOGRAFÍA DE PIERRE ARNAUD:
“Runnin’ Wild” (CD con diez temas, mayo de 2017)
“Pierre-Arnaud & los Mercenarios de la Barbacoa” (CD con diez temas, diciembre de 2017)
«Tel Qu’il Est» (CD con once temas, 2020)
«Que le diable l’emporte» (CD con trece temas, 2021)
DISCOGRAFÍA DE PIERRE ARNAUD CON ACOUSTIC GUIRI:
“Sextet Project” (CD con nueve temas, 2014) con Acoustic Guiri)
“Runnin’ Wild” (CD con nueve temas, 2018), con Acoustic Guiri)
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
Diferentes proyectos musicales de Pierre Arnaud, aparte del suyo en solitario o acompañado del trompetista Nicolas Rugolino:
1.- “Pierre & Manon” es un dúo que nace a finales de 2017 del encuentro con la cantante parisina Manon Lemesle también residente en Barcelona. Forman un dúo de standars de jazz y “chanson française” enfocado para actuaciones en restaurantes, piano bars y hoteles en Barcelona y alrededores.
2.- “Les Enfants Terribles” es un trío de cuerdas de pura cepa manouche. Tocan melodías que caracterizan el gypsy jazz moderno y versionan con swing grandes clásicos de la “chanson française”. El grupo lo componen Josselin Conte a la guitarra, Vicenç Miravet al contrabajo y Pierre Arnaud a la guitarra.
3.- “Pierre-Arnaud Quartet” es una formación de jazz atípica, una voz con carácter, una trompeta seductora y una guitarra inspirada con una sólida base de swing. El cuarteto barcelonés propone un viaje hipnotizante al swing americano de los años 30, un encuentro entre la música de Frank Sinatra, Louis Armstrong y Django Reinhardt. La banda está formada por el trompetista parisino de origen italiano Nicolas Rugolino, el guitarrista italiano Neter Calafati y el contrabajista mexicano Juan Carlos Buchan Ayala.
Nicolas Rugolino, Neter Calafati y Juan Carlos Buchan Ayala forman parte de “Domino Swing Septet” la banda creada en Barcelona en 2014 como cuarteto que en 2018 crean un nuevo proyecto en formato de sexteto, agregando una sección de metales con trompeta, saxofón y trombón grabando un disco con 10 composiciones originales presentado a principios de 2020.
4.- “Acoustic Guiri” es una banda unida por el amor del jazz, una banda que lleva años actuando en el panorama musical en Cataluña. Su propuesta une una formación instrumental propia del jazz manouche y una voz femenina cálida que transporta al blues y al soul. Elegancia, energía y delicadeza son calificativos que forman parte del universo musical del quinteto formado por Julie Hamar a la voz, Fanny Abela al violín, Francisco Asensio Sierra a la guitarra, François Georges Picot al contrabajo y el propio Pierre-Arnaud Bourhis a la guitarra.
Pierre Arnaud interpretando en directo una versión del tema «You Never Can Tell» de Chuck Berry para la plataforma Acqustic en 2018.
Pierre Arnaud interpretando en directo una versión del tema «Route 66», un estándar de ritmo y blues popular de Bobby Troup, en la Gran Bodega Saltó de Barcelona en 2017.
Pierre Arnaud interpretando en directo una versión del tema «Blue Drag» de Josef Myrow en la sala Cara B de Barcelona en 2017.
Pierre Arnaud interpretando en directo una versión del tema «You Make Me Feel So Young» de Josef Myrow & Mack Gordon junto a Juan Carlos Buchan al contrabajo y Nicolas Rugolino a la trompeta en 2019.
“Pierre-Arnaud Quartet” interpretando en directo una versión del tema «Straighten Up and Fly Right» de Nat King Cole and Irving Mills en 2019.
BIOGRAFÍA: VICENTE CALATAYUD es un excelente músico, guitarrista y cantautor barcelonés nacido en L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona) el 19 de junio de 1973 con una extensa trayectoria musical en diferentes proyectos pero sobre todo en su faceta como cantautor.
Uno de los primeros proyectos de Vicante Calatayud fue formar parte del grupo “Itakart” un grupo de música y de animación infantil con música para pensar, bailar y cantar. Con el grupo graba un EP con seis temas en catalán y también compone y crea el vídeo “El drac i la princesa”, la historia de Sant Jordi cantada por el grupo Itakart y con dibujos de Alberto García «Beto».
En el año 2010 Vicente Calatayud obtiene el segundo premio en el Concurso de Cantautores de Horta-Guinardó, edición que gana Russó Sala y quedando Juan Manuel Galeas en tercera posición.
Vicente Calatayud es miembro fundador del colectivo de los 9 gatos (Nit de Trovadores) que se fundó en noviembre de 2011 en Barcelona. La fundación del colectivo de cantautores barcelonés “Los 9 gatos” es un proyecto del que forma parte y es un grupo que nace por la determinación y tozudez de Miguel Ángel de la Rosa, que llegado a España procedente de Santa Clara (Cuba), se empeñó en crear en Barcelona un espacio donde juntarse algunos amigos para descargar, cantar y pasar algunas tardes de domingo agradables entre guitarras y canciones, algo parecido a una “Peña” como la de su ciudad y así de paso vencer la nostalgia y la lejanía. Con dudas y fracasos iniciales formaron el colectivo junto a Miguel Ángel de la Rosa y el propio Vicente Calatayud, el cubano Oscar Laguardia, los argentinos Matías Costa y Camino Surel, los barceloneses Miguel Aranda, Javi Jareño y Kike Ubieto y finalmente también el cubano José Nicolás que un triste día se nos fue y cuyo lugar (no su vacío) lo ocupó finalmente el barcelonés Dani Caracola.
El grupo se reunía y actuaba en el emblemático “Cafè de les Delícies” en el barrio del Raval de Barcelona las tardes del último y el primer domingo de mes en la llamada “Nit de Trovadores”, un proyecto artístico iniciado en el año 2011, tras la creación del colectivo de “Los 9 gatos” con el objetivo de ser un punto de encuentro, y donde Vicente Calatayud actúa y forma parte activa del proyecto.
En abril del año 2013 Vicente Calatayud participa en la 18ª edición del Festival Barnasants junto al colectivo de los 9 Gatos de La Nit de Trovadores presentando el primer disco autoeditado del colectivo “Arañando los domingos” en la Sala Luz de Gas de Barcelona en un magnífico concierto de más de dos horas con los músicos más representativos de la canción de autor del momento en Barcelona.
Vicente Calatayud como miembro del colectivo “Nit de Trovadores-Los 9 Gatos” aparece en el disco “Arañando los domingos” (CD con veinte temas grabado por Matías Costa en Jabalí Records, 2013) donde colabora con sus temas “Negra” y “Pantalones” y en el disco “Ronroneando” (CD con quince temas grabado por Matías Costa en Jabalí Records, 2014) donde colabora con su tema “Pupilas”.
En estos años Vicente Calatayud ha ido componiendo muchos temas propios que ha ido presentando en diferentes locales de la ciudad de Barcelona bien en solitario o en conciertos junto a otros cantautores.
En 2019 presenta su primer trabajo en solitario “Existes” un precioso disco con diez temas todos compuestos por Vicente Calatayud donde recoge algunas de sus composiciones de los últimos años. El disco cuenta con cuatro colaboraciones de lujo donde Vicente Calatayud canta a dúo con Lidia Uve en el tema “Hay una Luz en tu Balcón”, con Matías Costa en el tema “Ya no sé”, con Javi Jareño en el tema “Apenas te conozco” y con Miguel de la Rosa en el tema “Al terminar”. Un excelente disco con temas que nos describen a la perfección imágenes y sentimientos y que sin duda alguna sorprenderá por su belleza y perfección.
El disco lo va presentando en diferentes locales de la Ciudad Condal al tiempo que también ofrece conciertos junto con otros músicos como sus antiguos compañeros de los 9 gatos u otros como Pepe Vacas, Lidia Uve, Mati Pando o Raquel Lúa entre otros muchos.
GÉNERO: Canción de autor.
CIUDAD DE ORIGEN: Hospitalet de Llobregat (Barcelona).
DISCOGRAFÍA PROPIA Y COLABORACIONES:
“Itakart” (EP con seis temas, 2011).
“Existes” (CD con diez temas, 2019).
“Arañando los domingos” (CD con veinte temas, 2013). Colabora en este disco del colectivo de “Los Nueve Gatos” con sus temas “Negra” y “Pantalones”.
“Ronroneando” (CD con quince temas, 2014). Colabora en este disco del colectivo de “Los Nueve Gatos” con su tema “Pupilas”.
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
Vicente Calatayud interpretando en directo su tema “Cada Ciudad” de su disco “Existes” en el taller del luthier Matias Costa (Grabado por Matías Costa en Jabalí Records dentro de la serie “Canciones en el taller”, 2019)
Vicente Calatayud interpretando en directo su tema “Mi monstruo interior” de su disco “Existes” en 2019
Vicente Calatayud interpretando su tema “Hay una Luz en tu balcón” (videoclip realizado por dfarre audiovisuales en 2015)
Vicente Calatayud interpretando una versión del tema de J.M. Serrat “Romance del Curro el Palmo” en el Café de las Delicias de Barcelona el 16 de marzo del 2014.
Vicente Calatayud interpretando su tema “La Negra” en el primer aniversario de La Nit de Trovadores en la sala Tinta Roja de Barcelona el 15 de diciembre de 2012
En este apartado de «Músicos de canción popular latinoamericana» podréis ver la biografía, miembros, discografía, fotos, enlaces y vídeos representativos de los siguientes músicos:
Claudio Cesar, Juliette Robles, Gisele Cornejo, Bendito Veneno, De la Carmela, Canela en Drama, The Koyam Project,
BIOGRAFÍA: THE KOYAM PROJECT es una estupenda banda de world jazz fundada en Barcelona en el año 2018 por Ellen Plested (Ellie Rae), trompetista, cantante y compositora de jazz y Patricio Contardo, multi-instrumentista y compositor, cuando se establecen en la Ciudad Condal después de viajar y actuar juntos por muchos países de Europa interpretando su música durante los cuatro años anteriores.
Ellen Plested (Ellie Rae) es una trompetista, vocalista y compositora, nacida en Inglaterra con una amplia trayectoria musical que empieza a los ocho años con estudios de música y trompeta y más tarde se diploma en el “Bachelor Arts, jazz” de LCM (Leeds College of Music). Ha estudiado con el maestro Omar Puente destacado violinista cubano de latín jazz y con Jesse Banister saxofonista de fusión de música clásica de la India. Ellie Rae destaca por su experiencia en jazz, latín jazz, pop, clásico y fusión del sur asiático y compone e improvisa integrando sus conocimientos del jazz a la música del mundo.
Patricio Contardo es un compositor, multiinstrumentista y cantor chileno, residente en Barcelona desde el año 2004. Es un músico autodidacta con influencias de la música andina, folklore, clásica, latín jazz, flamenco y jazz y ha estudiado guitarra flamenca y guitarra clásica en la Escuela de Música Moderna de Badalona (EMMB). Ha sido miembro de “Exploración Latinoamericana”, grupo de folkclore y música andina y de “Patricio&Ellie Rae”, dúo de folk jazz y música gypsy, antecedente inmediato de “The Koyam Project”.
En 2018 antes de conformar la banda comienzan a componer y retomar algunas de sus composiciones grabando ya como “The Koyam Project” un EP con cuatro temas originales. Una mezcla de música latinoamericana, andina y afroperuana con las influencias del jazz, el funk y la música india, y con la inconfundible voz y trompeta de Ellie Rae.
Este EP que aparece en 2018 es grabado por Ellie Rae a la voz y a la trompeta, Patricio Contardo a la guitarra y al bajo e Iván Panta a las percusiones menores y es producido en Machuqa Records de Barcelona. El EP contiene los temas “Break a Cycle” y “One’s Self” compuestos por Ellie Rae y “Minds” y “El Batido”, una mezcla entre, cumbia y huayno, compuestos por Ellie Rae y Patricio Contardo.
Tras la grabación de este EP, hasta la fecha único trabajo de la banda, Ellie Rae y Patricio completan la formación de la banda que, a pesar de algunos cambios desde su inicio, en la actualidad la forman: el peruano, residente en Barcelona desde 2017, Mario Cubillas (“Mano Madera”, “Balkan Lovers”, “Revolución Caliente”, “Made in Barcelona” o “Gurumanché”) a la percusión, el barcelonés Ignasi Ferrer («Las Buenas Costumbres» o «Always Drinking Marching Band») al trombón, clarinete, teclados y arreglos, el chileno Giuseppe Moretti (“Justi i els amics del barri”) a la batería y Elvin Ferreira al bajo.
Por la banda han colaborado puntualmente en algún concierto o han estado también en la formación Odoardo Torres a los teclados, Alejandro ‘Jano’ Pérez (“Buenas Costumbres”) al bajo, Ivan Alfredo (“Latin Panas”) a la batería, Jhanmarco Alegria Silva a la percusión e Ivan Panta a la percusión junto a Ellie Rae y Patricio en la grabación del EP.
En septiembre del 2019 participan en el concurso de bandas “Delayta’ns” en Premia de Mar (Barcelona) obteniendo el segundo lugar con excelentes críticas del jurado y ese mismo año así como también participan en el concurso internacional de bandas “Tour Music Fest” en Madrid, junto a más de noventa bandas, quedando dentro de los cinco finalistas.
Desde su creación “The Koyam Project” no ha parado de actuar en diferentes formatos (dúo, trio, cuarteto o sexteto) en algunos festivales como el Festival de Cultura del Raval o el Tomato Concert y en la mayoría de locales del circuito musical de música en directo en Catalunya como Casa Machuqa, La Farola, Blacklab, Diobar, Flappers Jazz Club, Cervecería El Glaciar, Bonita Barcelona, Gornishki Barcelona, La Floresteca, Bar La Bota, Santisimo Agave, La Maceta o el Lute Bar & Bowls entre muchos otros más.
En definitiva “The Koyam Project” es una interesante formación y propuesta musical, un tributo al World Jazz y a la música Latinoamericana, una muestra de la exótica sabrosura de los ritmos del mundo y un viaje sonoro que nos transporta a través de los ritmos latinos, el jazz fusión y la música del mundo. Seis músicos de cinco países diferentes, que juntos crean una mixtura original y fresca.
MIEMBROS:
– Ellen Plested “Ellie Rae” (voz, trompeta y composición)
– Patricio Contardo (guitarra, voz y composición)
– Mario Cubillas (percusión)
– Ignasi Ferrer (trombón, piano, clarinete y arreglos)
– Giussepe Moretti (batería y percusión)
– Elvin Ferreira (bajo)
GÉNERO: World jazz.
CIUDAD DE ORIGEN: Barcelona.
DISCOGRAFÍA:
“The Koyam Project” (EP con cuatro temas, 2018)
Podéis escuchar todos sus temas en los siguientes enlaces:
En este apartado de «Músicos de blues, rhythm and blues y jazz (LL-P)» podréis ver la biografía, miembros, discografía, fotos, enlaces y un vídeo representativo de los siguientes músicos:
Montse Pratdesaba (Big Mama Montse), Pelogruesoul, Muddy Wine,
MÚSICOS, LOCALES Y CONCIERTOS EN CATALUNYA 
